Sue Girl Talk

Guest mix #8: Matilda Manzana

2011-11-01T20:58:00.000-07:00

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1. Angel Olsen - "Drunk and with Dreams"

(0:00 - 2:53)

2. Greatest Hits - "L Train Girl"

(2:54 - 6:05)

3. Los Animales Superforros - "Copla del Pensamiento"

(6:06 - 9:25)

4. Os Mutantes - "Bat Macumba"

(9:26 - 12:40)

5. Capullo - "Reencarnación"

(12:41 - 16:05)

6. Algodón Egipcio - "Los Párpados Caídos"

(16:06 - 19:29)

7. High Places - "The Tree With the Lights In It"

(19:30 - 22:02)

8. Los Migues - "Mas Copado"

(22:03 - 25:32)

9. Atlas Sound - "Amplifiers"

(25:33 - 27:55)

10.- Piyama Party - "Tus Padres Están Mirandonos"

(27:56 - 30:55)

11. Candy Claws - "Lantern Fish"

(30:56 - 34:33)

12. Niños del Perú - "El Sol"

(35:34 - 38:15)

La grabación incluye recortes de audio de un documental del fin del mundo encontrado en YouTube.

Portada por Ouchal

Matilda Manzana:

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Suegirl mix #16: Septiembre 2011

2011-09-25T16:34:00.000-07:00

Lana Del Rey, Real Estate, Dog Day, Jacuzzi Boys, Olivia Tremor Control, Twin Sister, Nurses, Braids, Class Actress, Zola Jesus, M83, Danny Brown, Das Racist.

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1. Lana Del Rey - "Blue Jeans"
(0:00 - 3:29)

2. Real Estate - "Green Aisles"
(3:30 - 8:31)

3. Dog Day - "Part Girl"
(8:32 - 12:17)

4. Jacuzzi Boys - "Vizcaya"
(12:18 - 14:38)

5. Olivia Tremor Control - "The Game You Play is in Your Head, Parts 1, 2 & 3"
(14:39 - 19:54)

6. Twin Sister- "Bad Street"
(19:55 - 24:39)

7. Nurses - "Trying to Reach You"
(24:40 - 28:22)

8. Braids - "Peach Wedding"
(28:23 - 34:10)

9. Class Actress - "Weekend"
(34:11 - 38:!2)

10. Zola Jesus - "Seekir"
(38:13 - 41:56)

11. M83 - "Midnight City"
(41:57 - 45:53)

12. Danny Brown - "Monopoly"
(45:54 - 49:52)

13. Das Racist - "Michael Jackson"
(48:41 - 53:00)

Suegirl mix #15: Agosto 2011

2011-08-23T22:06:00.000-07:00

Gross Magic, Mikal Cronin, Spectrals, Eric Copeland, Future Islands, St. Vincent, Jens Lekman, Widowspeak, Veronica Falls, Amen Dunes, Dirty Beaches, Cymbals Eat Guitars.

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1. Gross Magic - "Sweetest Touch"
(0:00 - 3:23)

2. Mikal Cronin - "Apathy"
(3:23 - 6:00)

3. Spectrals - "4 Big Baby"
(6:00 - 8:21)

4. Eric Copeland - "U.F.O's Over Vamphire City"
(8:21 - 11:54)

5. Future Islands - "Balance"
(11:54 - 16:01)

6. St. Vincent- "Surgeon"
(16:01 - 20:23)

7. Jens Lekman - "An Argument With Myself"
(20:23 - 24:08)

8. Widowspeak - "Gun Shy"
(24:08 - 27:57)

9. Veronica Falls - "Come On Over"
(27:57 - 32:31)

10. Amen Dunes - "Bedroom Drum"
(32:31 - 36:24)

11. Dirty Beaches - "Lone Runner"
(36:24 - 41:21)

12. Cymbals Eat Guitars - "Rifle Eyesight (Proper Name)"
(41:21 - 49:52)

Guest mix #7: De Juepuchas

2011-08-03T04:34:00.000-07:00

"En este mixtape quise incluir sonidos de ayer, que aunque no están por ahí rondando en la web, influenciaron mucho el sonido que tiene hoy la banda (caso de Tortoise, Múm, Aphex Twin, The Chap). Igualmente hay un par de temas que me he cruzado hace un tiempo, y otros que apenas encuentro. Adicionalmente decidí incluir algo de las facetas o personalidades que tiene el sonido dejuepuchas, por un lado George Nenon, proyecto del Juan, Matiz y Semblanza, e Interlude, todas caras del mismo dado musical, que compartimos tímidamente por estos medios. Con toda la onda, enjoy." - Diego Maldonado, De Juepuchas

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1. Tortoise - "Eros"
(0:00 - 4:20)

2. MÚM - "Smell Memory"
(4:20 - 13:20)

3. The Chap - "President at Last (Zilla Remix)"
(13:20 - 18:10)

4. Aphex Twin - "Ptolemy"
(18:10 - 25:16)

5. Dorian Concept - "My Face Needs Food"
(25:16 - 28:25)

6. HAHA - "Baie Du Boré"
(28:25 - 34:10)

7. George Nenon - "Audio-Video"
(34:10 - 39:02)

8. Helado Negro - "Awe"
(39:02 - 44:04)

9. Matiz y Semblanza y el Colectivo la Gallera - "Humano y Medio"
(44:04 - 51:40)

10. Interlude - "Paradogma (Demo)"
(51:40 - 56:55)

De Juepuchas:
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Suegirl mix #14: Julio 2011

2011-07-22T02:13:00.000-07:00

The Weeknd, Drake, Balam Acab, The Caretaker, Samiyam, Disclosure, Edibles, Vanilla, Heems, The-Dream.

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1. The Weeknd - "The Birds (Part 1)"
(0:00 - 3:37)

2. Drake - "Marvin's Room"
(3:38 - 9:23)

3. Balam Acab - "Oh, Why"
(9:24 - 13:35)

4. The Caretaker - "Tiny Gradiations of Loss"
(13:36 - 16:28)

5. Samiyam - "Where Am I"
(16:29 - 19:07)

6. Disclosure - "I Love... That You Know"
(19:08 - 23:41)

7. Edibles - "Mind Fry"
(23:42 - 26:57)

8. Vanilla - "The People"
(26:58 - 29:21)

9. Heems - "Womyn aka Hitch (Demo?)"
(29:22 - 32:42)

10. The-Dream - "Fuck My Brains Out / Body Work"
(32:43 - 42:15)

Guest mix #6: Balún

2011-06-17T12:22:00.000-07:00

Mixtape cortesía de Balún, banda de dream-pop originaria de San Juan, Puerto Rico, ahora radicada en Brooklyn, NY.

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1. So Percussion - "June"
(0:00 - 3:38)

2. Pegasvs - "Atlántico"
(3:38-7:56)

3. Sonic Youth - "Incinerate"
(7:56-12:46)

4. El Medio - "O Futuro"
(12:46-16:40)

5. Stereolab - "Three Women"
(16:40-20:24)

6. Roberto Roena - "Que Se Sepa"
(20:24-23:32)

7. Franco Et Le T.P. O.K. Jazz - "On Entre O.K., On Sort K.O."
(23:32-26:27)

8. Pikelet - "Bug-In-Mouth"
(26:27 - 29:44)

9. Juana Molina - "La Visita"
(29:44 - 31:58)

10. Phyllis Dillon - "On The Right Track"
(31:58 - 34:22)

11. Delia Derbyshire - "Ziwzih Zwzih OO-OO-OO"
(34:22 - 36:00)

12. Bibio - "Like A Sundial"
(36:00 - 40:14)

13. The Luyas - "Too Beautiful To Work"
(40:14 - 43:50)

14. Memoryhouse - "The Waves"
(43:50 - 45:30)

15. COOLRUNNINGS - "When I Got High With You"
(45:30 - 48:06)

16. Cocteau Twins - "The Itchy Glowbo Blow"
(48:06 - -51:14)

17. Casino vs Japan - "Koma Sign-off"
(51:14 - 51:34)

18. Oneohtrix Point Never - "Actual Air"
(51:34 - 52:54)

19. Grouper - "Invisible"
(52:54 - 56:24)

20. Autechre - "Pir"
(56:24 - 60:00)

Balún:
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Suegirl mix #13: Junio 2011 (Pt. 2)

2011-06-15T23:12:00.000-07:00

Ty Segall, Iceage, Girls Names, WATERS, Twerps, Psychic Dancehall, Cults, U.S. Girls, Majical Cloudz, The Men.

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1. Ty Segall - "You Make the Sun Fry"
(0:00 - 2:30)

2. Iceage - "Broken Bone"
(2:31 - 5:01)

3. Girls Names - "Seance on a Wet Afternoon"
(5:02 - 7:56)

4. WATERS - "For the One"
(7:57 - 10:57)

5. Twerps - "She Didn't Know"
(10:58 - 13:29)

6. Psychic Dancehall - "A Love that Kills"
(13:30 - 17:32)

7. Cults - "Most Wanted"
(17:33 - 20:34)

8. U.S. Girls - "If These Walls Could Talk"
(20:35 - 22:42)

9. Majical Cloudz - "Dream World" (feat. Grimes)
(22:43 - 25:08)

10. The Men - "()"
(25:09 - 30:57)

Suegirl mix #12: Junio 2011 (Pt. 1)

2011-06-05T08:02:00.000-07:00

Jim Jones & Girl Talk, Big K.R.I.T., Curren$y, Drake, 13 & God, Shabazz Palaces, Pharoahe Monch, J Rocc, Teebs, Kreayshawn.

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1. Jim Jones - "Believe in Magic" (prod. by Girl Talk)
(0:00 - 2:57)

2. Big K.R.I.T. - "Dreamin'"
(2:58 - 7:03)

3. Curren$y - "#jetsgo"
(7:04 - 10:19)

4. Drake - "Dreams Money Can Buy"
(10:20 - 14:25)

5. 13 & God - "Death Minor"
(14:26 - 18:21)

6. Shabazz Palaces - "Swerve... The reeping of all that is worthwhile (Noir not withstanding)"
(18:22 - 22:15)

7. Pharoahe Monch (feat. Mr. Porter) - "Haile Selassie"
(22:16 - 24:38)

8. J Rocc - "Play This Too"
(24:39 - 29:39)

9. Teebs - "Pretty Poly"
(29:40 - 31:41)

10. Kreayshawn - "Gucci Gucci"
(31:42 - 34:54)

Guest mix #5: Moisés Horta de Los Macuanos

2011-05-30T13:06:00.000-07:00

ESTA ES LA CURA

Un mix hecho por Moisés Horta de Los Macuanos

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Tracks:

Lucky Dragons - "Ya me voy, OK?"
Los Plebeyos - "Caballo Loco"
Tapes - "Good Thing You Came Along"
oOoOO - "Hearts"
Isabelle Noël - "Get rich or die tryin'"
Pato - "anti anti anti"
Steve Reich - "Section X"
Santos - "Perfume de Gardenias" (Live @ Bodega Aragón 17/10/2010)
Liquid Liquid - "Groupmegroup" (Live)
Liars - "Let's Not Wrestle Mt. Heart Attack"
May Roosevelt - "Oomph"
Matt John - "Radio Self"
Los Sampler's - "La Vida es Llena de Cables (Son Disco Duro)"
Los Macuanos - ???

Moisés Horta:
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Los Macuanos:
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Guest mix #4: Piyama Party

2011-05-25T10:52:00.000-07:00

Selección de canciones cortesía de la banda monclo-regia Piyama Party

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1. Beef – "La Resolución Final"
(0:00 - 3:04)

2. Blueshit – "Me Deja en Tus Pechos, Volar"
(3:05 - 5:53)

3. María y José – "Violentao (Algodón Egipcio Remix)"
(5:54 - 9:21)

4. Sr. Amable – "Nel Pastel"
(9:22 - 11:38)

5. Violeta Vil – "Toronjil"
(11:39 - 14:37)

6. Los Directivos – "El Rey"
(14:38 - 17:26)

7. Mr. Racoon - "Te la Mamaste"
(17:27 - 19:09)

8. Elaine – "Puta"
(19:10 - 21:08)

9. Raúl Querido – "Christina"
(21:09 - 23:08)

10. Alexico – "Nombre del Perro"
(23:09 - 26:47)

11. El Tan – "Los Venceremos"
(26:48 - 30:40)

12. El Medio – "La Era del Microondas"
(30:41 - 34:35)

13. Ela y Laiza – "Adiós"
(34:36 - 38:07)

14. Hypnomango – "Flotando"
(38:08 - 42:24)

15. Midi Puro – "Romualdo"
(42:25 - 46:08)

16. Pipe Llorens - "A Mil X Hora" (Cover de Lynda)
(46:09 - 49:13)

17. Ok Cougars – "Pienso en Ti"
(49:14 - 53:33)

18. Matilda Manzana – "Todas las Ciudades Inundadas"
(53:34 - 57:43)

Piyama Party:
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Collage por Gonbelt

Guest mix #3: Carmen Sandiego

2011-05-13T16:29:00.000-07:00

Selección de canciones cortesía de la banda uruguaya Carmen Sandiego

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1. Danteinferno - "Tiembla"
(0:00 - 3:25)

2. normA - "Enamorado"
(3:26 - 6:32)

3. Dënver - "Diane Keaton"
(6:33 - 10:21)

4. Gepe - "Celosía"
(10:22 - 14:53)

5. 3Pecados - "Sin Título 4"
(14:54 - 16:26)

6. Amelia - "Como un dragón"
(16:27 - 19:43)

7. Dios Salve - "Espinacas"
(19:44 - 22:23)

8. Sr. Tomate - "Infarto"
(22:24 - 24:48)

9. Los Punsetes - "De Moda"
(24:49 - 27:15)

10. Los Migues - "A Vos No Te Importa Nadie"
(27:16 - 30:39)

11. 107 Faunos - "Incertidumbre"
(30:40 - 32:29)

12. Millones de Casas con Fantasmas - "Vals En Silla de Ruedas"
(32:30 - 35:35)

13. La Hermana Menor - "El Próximo Verano"
(35:36 - 40:44)

Carmen Sandiego:
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Suegirl mix #11: Mayo 2011

2011-05-07T16:15:00.000-07:00

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1. Grimes - "Vanessa"
(0:00 - 5:25)
de Darkbloom Split 12" (Arbutus; 2011)

2. Sean Nicholas Savage - "Serious Eyes"
(5:26 - 8:54)
de Trippple Midnight (Arbutus; 2011)

3. Unknown Mortal Orchestra - "How Can U Luv Me"
(8:55 - 12:19)
de Unknown Mortal Orchestra (Fat Possum; 2011)
disponible el 21/06

4. Thee Oh Sees - "I Need Seed"
(12:20 - 15:12)
de Castlemania (In the Red; 2011)
disponible el 14/06

5. White Fence - "Get That Heart"
(15:13 - 18:15)
de Is Growing Faith (Woodsist; 2011)

6. The People's Temple - "Sons of Stone"
(18:16 - 23:11)
de Sons of Stone (Hozac; 2011)

7. Times New Viking - "Fuck Her Tears"
(23:12 - 25:20)
de Dancer Equired (Merge; 2011)

8. Seapony - "Blue Star"
(25:21 - 27:44)
de Go With Me (Hardly Art; 2011)
disponible el 31/05

9. Youth Lagoon - "July"
(27:45 - 32:25)
de The Year of Hibernation (Juno Beach; 2011)
disponible el 05/07

10. Pure X - "Back Where I Began"
(32:26 - 36:42)
de You're in it Now EP (Acéphale; 2011)

11. Chad VanGaalen - "Sara"
(36:43 - 39:53)
de Diaper Island (Sub Pop; 2011)
disponible el 17/05

12. Cass McCombs - "County Line"
(39:54 - 45:35)
de WIT'S END (Domino; 2011)

Guest mix #2: Reuben Torres de Los Macuanos

2011-05-04T19:25:00.000-07:00

Selección de cumbia mexicana hecha por Reuben Torres de Los Macuanos

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1. Mike Laure - "Tiburón a la Vista"
(0:00 - 2:42)

2. Xavier Passos - "Viva Matamoros"
(2:43 - 6:09)

3. Los Sonor's - "Cozumel"
(6:10 - 8:56)

4. Rigo Tovar - "Pajaro Chogui"
(8:57 - 11:50)

5. Los Dinners - "La Bala (Pt. 1)"
(11:51 - 15:14)

6. Renacimiento 74 - "Que Le Maten Pollo"
(15:15 - 18:02)

7. Acapulco Tropical - "Cangrejito Playero"
(18:03 - 20:28)

8. Grupo Pegasso - "Se Tambalea"
(20:29 - 22:54)

9. Los Plebeyos - "Que Calor Que Calor"
(22:55 - 25:39)

10. Chico Che y La Crisis - "Tons que Mami"
(25:40 - 28:02)

11. Tam y Tex - "Tiki Ta"
(28:03 - 30:49)

12. Fito Olivares - "El Chicle"
(30:50 - 34:03)

13. Bronco - "Grande de Caderas"
(34:04 - 36:47)

14. Mi Banda el Mexicano - "Ma Me Mi Mo Mu"
(36:48 - 40:59)

Los Macuanos:
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Guest mix #1: Meche de Las Robertas

2011-04-14T22:25:00.000-07:00

Selección hecha por Mercedes Oller de Las Robertas sobre bandas con las que tocaron o que vieron en SXSW y U.S. Tour

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1. Beach Fossils - "What a Pleasure"
(0:00 - 2:27)
de What a Pleasure EP (Captured Tracks; 2011)

2. Craft Spells - "You Should Close the Door"
(2:28 - 5:41)
de Idle Labor (Captured Tracks; 2011)

3. Weekend - "Monongah, WV"
(5:42 - 8:37)
de Sports (Slumberland; 2010)

4. Colleen Green - "Y Do U Call Me"
(8:38 - 11:08)
de "Green One" +3 7" (Hardly Art; 2011)

5. Jeff the Brotherhood - "Bummer"
(11:09 - 13:42)
de We Are the Champions (Infinity Cat; 2011)

6. Heavy Hawaii - "Teen Angel"
(13:43 - 16:22)
de HH (Art Fag; 2010)

7. The German Measles - "Average"
(16:23 - 18:39)
de A German Joke Is No Laughing Matter (What's Your Rupture?; 2011)

8. The Beets - "What Did I Do?"
(18:40 - 20:19)
de Spit in the Face of People Who Don't Want to Be Cool (Captured Tracks; 2009)

9. Veronica Falls - "Right Side of My Brain"
(20:20 - 23:09)
Single (Self-released; 2010)

10. Mujeres - "L.A."
(23:10 - 25:13)
de Mujeres (Sones; 2009)

11. Hunx and His Punx - "U Don't Like Rock N Roll"
(25:14 - 27:48)
de Gay Singles (Matador/True Panther; 2010)

12. Dávila 666 - "Patitas"
(27:49 - 29:51)
de Tan Bajo (In the Red; 2011)

Foto: Gabriela Aguilar

Suegirl mix #10: Abril 2011

2011-04-08T23:35:00.000-07:00

Could a rap band actually succeed in Sub Pop?
Is sampling Beach House becoming 2011 biggest trend?
Isn't sounding like Ian Curtis way too 2002?

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1. Nicolas Jaar - "Space Is Only Noise If You Can See"
(0:00 - 5:40)
de Space Is Only Noise (Circus Company; 2011)

2. Happy New Year - "Twins"
(4:03 - 9:24)
de Twins/Hotel 7" (Crikey Records; 2011)

3. John Maus - "Quantum Leap"
(9:25 - 12:16)
de We Must Become the Pitiless Censors of Ourselves (Ribbon Music; 2011)
disponible el 28/06

4. Colin Stetson - "Home"
(12:17 - 15:27)
de New History Warfare Vol. 2: Judges (Constellation; 2011)

5. Shabazz Palaces - "An Echo From the Hosts that Profess Infinitum"
(15:28 - 18:40)
de Black Up (Sub Pop; 2011)
disponible el 31/05

6. Das Racist (feat. Lakutis) - "Swate"
(18:41 - 24:46)
de RELAX (Mad Decent; 2011)
disponible junio 2011

7. Fashawn - "Going Home"
(24:47 - 27:46)
de Higher Learning 2 (Self-released; 2011)

8. SIMS - "Burn it Down"
(27:47 - 30:40)
de Bad Time Zoo (Doomtree; 2011)

9. Greatest Hits - "Danse Pop"
(30:41 - 32:41)
de Danse Pop 7" (Olde English Spelling Bee; 2011)

10. Gardens & Villa - "Orange Blossom"
(32:42 - 36:57)
de Cool Summer Records 7" (Self-released; 2011)

11. Seefeel - "Faults"
(36:58 - 42:38)
de Seefeel (Warp; 2011)

12. The Weeknd - "The Party & the After Party"
(42:39 - 50:20)
de House of Balloons (Self-released; 2011)

Suegirl mix #9: Marzo 2011

2011-03-12T20:59:00.000-08:00

Is PJ Harvey cool again?
Can Toro Y Moi actually be good?
Will Panda Bear and Ponytail own 2011?

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1. Toro Y Moi - "New Beat"
(0:00 - 4:02)
de Underneath the Pine (Carpark; 2011)

2. Dumbo Gets Mad - "Marmelade Kids"
(4:03 - 8:24)
de Elephant at the Door (Bad Panda; 2011)

3. tUnE-yArDs - "Bizness"
(8:25 - 12:48)
de w h o k i l l (4AD; 2011)
disponible el 19/04

4. Battles (feat. Matías Aguayo) - "Ice Cream"
(12:49 - 17:23)
de Gloss Drop (Warp; 2011)
disponible el 07/06

5. BOBBY - "Sore Spores"
(17:24 - 22:00)
de BOBBY (Partisan Records; 2011)
disponible el 21/06

6. Panda Bear - "Last Night at the Jetty"
(22:01 - 26:37)
de Tomboy (Paw Tracks; 2011)
disponible el 12/04

7. Ponytail - "Easy Peasy"
(26:38 - 36:29)
de Do Whatever You Want All the Time (We Are Free; 2011)
disponible 12/04

8. Bird World - "Swamp"
(32:24 - 36:30)
de No Wonder (Self-released; 2011)

9. Bass Drum of Death - "Young Pros"
(36:31 - 39:08)
de GB City (Fat Possum; 2011)
disponible el 12/04

10. Sonny and the Sunsets - "I Wanna Do It"
(39:09 - 41:28)
de Hit After Hit (Fat Possum; 2011)
disponible el 12/04

11. Jamaica - "Short and Entertaining"
(41:29 - 44:22)
de No Problem (Cooperative USA/Downtown; 2011)

12. Crystal Stilts - "Through the Floor"
(44:23 - 46:43)
de In Love With Oblivion (Slumberland; 2011)
disponible el 12/04

13. PJ Harvey - "England"
(46:44 - 49:46)
de Let England Shake (Vagrant/Island Def Jam; 2011)

14. Julianna Barwick - "The Magic Place"
(49:47 - 53:32)
de The Magic Place (Asthmatic Kitty; 2011)

15. Kurt Vile - "Ghost Town"
(53:33 - 59:44)
de Smoke Ring For My Halo (Matador; 2011)

Top 10: Películas del 2010

2011-02-26T17:45:00.000-08:00

Film Capitalisme

Tarde pero seguro, un día antes de la ceremonia de los Oscar, nos sentamos a escoger nuestras películas favoritas del año. Gracias a los famosos DVD Screeners pudimos ver una buena cantidad de cine interesante en el 2010 y compilar una lista más que satisfactoria. Los criterios para decidir si una película es del 2010 o no, son bastante flexibles. Por lo general se utilizó como guía el “theatrical release” en Estados Unidos, pero para películas que por ejemplo salieron en Europa en 2009 y en Estados Unudos en 2010, prevaleció el año en el cual la vimos.
En fin, como todos los años hubo muy buenas películas que vinieron de los cuatro rincones del mundo, y que más allá de la escasa oferta en los cines ticos, pudimos ver y disfrutar.

10. Carlos
(Dir. Olivier Assayas)

Empezamos el recuento con un poco de polémica, ya que muchos consideran que Carlos no es una película, sino una miniserie de televisión. Es ambas cosas en realidad. La obra fue proyectada, en sus glorioso formato de cinco horas y media, en el pasado Festival de Cannes. Un par de semanas después fue emitida en tres partes por la cadena francesa Canal+. En julio, se estrenó en los cines franceses una versión de poco más de dos horas y media. Luego se estrenó en Estados Unidos bajo un formato similar. Recomendamos sin embargo ver la versión completa, con pausas si así lo prefieren. Carlos es un excelente biopic que retraza el apogeo y la posterior perdición y captura de Ilich Ramírez Sánchez, alias Carlos el chacal, terrorista venezolano que luchó en nombre de la OLP. La interpretación de Édgar Ramírez, que se dio a conocer en Venezuela por su papel de “Cacique” en la telenovela Cosita Rica, es sobresaliente y le deseamos una gran carrera lejos del mundo de las soap operas latinas.

9. Blue Valentine
(Dir. Derek Cianfrance)

La historia de una pareja que se enamora y desenamora no es algo nada nuevo en el mundo del cine. Pero Blue Valentine, no es la típica historia de amor y desamor. Ésto por la construcción del relato, que hace ida y vuelta entre el momento en que la pareja se conoce y el momento en que comienza su separación, haciéndonos vivir la evolución de la relación a través de escenas diametralmente opuestas. A ratos capturando toda la pasión de los inicios de una relación, y a ratos la frialdad y egoísmo en los cuales cae la pareja.
Y por supuesto, las excelentes interpretaciones de Ryan Gosling y Michelle Williams sólo hacen que cada escena que pasa sea más dura de ver, haciendo subir en intensidad tanto el amor que sienten en sus primeras semanas juntos, como el disgusto que eventualmente llega a nacer entre ellos.

8. Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives
(Dir. Apichatpong Weerasethakul)

Es un poco difícil caracterizar el cine de Apichatpong. Tropical Malady consistía en una especie de doble relato sobre un romance homosexual seguido por un soldado persiguiendo al fantasma de otro por la selva, o algo por el estilo. Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives, Palma de Oro en el Festival De Cannes, por su parte es una historia sobre una humilde familia en la Tailandia rural, y un hombre cercano a la muerte que incluye la aparición de un hombre mono hablante, una mujer fantasma, una especie de princesa que tiene relaciones sexuales con un pez y una familia aparentemente petrificada por la televisión. Pero más allá del evidente gusto de Apichatpong por los relatos un poco torcidos, siempre se mantiene fiel a su estilo visual, capturando la belleza de los paisajes que rodean a sus personajes y de las situaciones casi cómicas y poco convencionales de sus historias. Algunos le han llamado a ésto el cine del futuro, otros la historia del cine. NO COMMENT.

7. Tournée
(Dir. Mathieu Amalric)

No, este no es un remake de la película protagonizada por Cher y Christina Aguilera, que por desgracia no hemos podido ver aún. Tournée es una realista y melancólica descripción de la vida tras bastidores de cinco mujeres y un hombre que forman parte de un show de neo-burlesque estadounidense, de gira por Francia con su manager galo (interpretado por Mathieu Amalric, director y guionista de la obra). La película combina perfectamente las absurdas pero entretenidas escenas del show y los momentos más intimos en los hoteles, trenes y diversos lugares que visitan durante su estadía. Esperemos que ahora Mathieu Amalric, cuyo largometraje anterior se había estrenado en 2001, no se tome tanto tiempo para compartir su próxima creación.

6. Inception
(Dir. Christopher Nolan)

De esta película se seguirá hablando muchísimo en los próximos años, dada la complejidad de su trama y las diferentes interpretaciones que se pueden formular. Sin embargo, Inception es también estéticamente uno de los blockbusters más elegantes que hemos visto, y eso se debe en gran parte a la visión de su creador Christopher Nolan.
Con esta película, Nolan creó un éxito masivo de taquilla que no estaba basado en ningún libro famoso, en ningún cómic, en ninguna serie de tele ni en una película anterior. Todo salió de su cerebro y si a ésto le sumamos lo que consiguió con The Dark Knight en 2008, Nolan tiene actualmente carta libre para hacer y conseguir lo que le dé la gana en Hollywood (excepto recibir una nominación al Oscar como Mejor Director…).

5. Dogtooth
(Dir. Giorgos Lanthimos)

A veces los conceptos más interesantes para una película pueden terminar en algo un poco decepcionante. Por ejemplo, una idea como la de Cloverfield, sobre unos amigos que capturan la llegada de un monstruo a Manhattan con una cámara digital, obliga a cualquiera a ver la película, y si bien tampoco es de mala calidad, el resultado final le queda muy corto a la idea inicial.
Dogtooth por su lado, parte de la idea de unos padres en Grecia que tienen a sus hijos veinteañeros prisioneros en la casa desde el nacimiento y los manipulan constantemente para evitar cuestionamientos con respecto a su situación y lo que puede haber en el mundo exterior.
Si bien pudo haber caído fácilmente en estereotipos dualistas, Dogtooth es más bien una especie de comedia negra, mucho más interesada en retratar los aspectos tanto perturbantes como cómicos de las consecuencia de tener a estos jóvenes aislados del mundo exterior, que en dar una lección sobre la manipulación de los niños.
Ya sea las ridículas competencias a las que son forzados, las palabras de las cuales no deben conocer el verdadero significado, las explicaciones a fenómenos como los aviones que sobrevuelan la casa, Dogtooth no sólo es impresionante por su inventividad y tratamiento estético, sino por la manera en que perturba como pocas películas son capaces de hacerlo.

4. Exit Through the Gift Shop
(Dir. Banksy)

A menudo hay que preguntarse cual es el interés de ver películas. Más allá de las evidentes razones sobre su capacidad para entretener o también para instruir, de vez en cuando aparece una de esas películas que cuestiona algo de una manera poderosa, casi inapelable, y que lo deja a uno pensando si todo en lo que uno creía sigue siendo válido.
Exit Through the Gift Shop, documental del incógnito artista de graffiti Bansky, logra esos tres objetivos. En su viaje a través del mundo del graffiti, por medio del ascenso a la fama de Thierry Guetta (ahora mejor conocido como Mr. Brainwash), Banksy logra no sólo contar una historia muy entretenida e instruirnos sobre ese misterioso mundo del arte callejero, pero sobre todo levantar una infinidad de preguntas sobre como percibimos y consumimos el arte en éstos tiempos de excesiva información.

3. Toy Story 3
(Dir. Lee Unkrich)

Hace unas semanas, el sitio inglés especializado en cine “The Shiznit” hizo una parodia del poster de Toy Story 3, cambiándole el título a You’re Going to Cry. Ese nuevo título es adecuado, pero incompleto. Habría que ponerle más bien You’re going to cry, laugh, smile, be thrilled, scared and kept to the edge of your seat for an hour and a half.
En el pasado verano, Toy Story 3 se convirtió en la película animada más taquillera de la historia y confirmó el estátus de Pixar como estudio de Hollywood más exitoso y respetado en la actualidad. Esta tercera aventura presenta toda la ingeniosidad, el humor y la maestría artística de Pixar, y nos atrevemos a afirmar que se trata de la película más completa que han producido.
Hay decenas de elementos memorables en Toy Story 3, pero vamos a destacar la manera en que Pixar supo renovar la saga con nuevos personajes, especialmente Ken (“I’m not a girl’s toy! I’m not!”) y el villano Lotso, un peligroso oso de peluche color magenta, con acento sureño y olor a fresa.
La película será también recordada por su conmovedor final, razón por la cual se podría llamar You’re Going to Cry, una secuencia de adiós que le pone un brillante punto final a la saga.

2. Winter's Bone
(Dir. Debra Granik)

Muy poca gente ha visto Winter’s Bone, segundo largometraje de Debra Granik, pero está disponible en DVD y otros medios menos ortodoxos desde hace ya tres o cuatro meses. En la película, Jennifer Lawrence interpretra magistralmente a una joven de 17 años que vive en la pobreza con sus dos hermanos menores y debe encontrar a su padre, quien está en libertad provisional y es fabricante de metanfetaminas, para no perder su casa.
La película es valiosa no sólo por el sorprendente trabajo de Lawrence, sino también por la manera en que ambienta y retrata la lúgubre y peligrosa comunidad rural de Missouri en la cual se desarrolla la historia. Ofreciendo una visión tan crítica como trágica del olvido en el que caen ciertas comunidades en los Estados Unidos, Winter's Bone llega a ser como una especie de The Wire en ambiente rural y en menos de dos horas.

1. The Social Network
(Dir. David Fincher)

Cuando la filmación de esta película fue anunciada hace un par de años, parecía un proyecto con el cual David Fincher se quería divertir un poco después de la seriedad de Zodiac y Benjamin Button. El guionista Aaron Sorkin venía de escribir la ya olvidada comedia política Charlie Wilson’s War, y The Social Network parecía ser algo del mismo estilo y tono. Estábamos muy equivocados. The Social Network terminó siendo, gracias al genio de Fincher y Sorkin, una de las mejores y más aclamadas obras cinematógraficas de este inicio de siglo.

Uno de los méritos principales del director David Fincher es el haber creado una atmósfera vibrante, llena de tensión y suspenso alrededor de las escenas judiciales y de informática escritas por Sorkin. El guión presenta una infinidad de diálogos memorables y está estructurado en función de los diferentes puntos de vista de los personajes principales, un poco al estilo Rashomon de Kurosawa, sólo que de manera más acelerada. Los actores parecen haberse deleitado con el material, especialmente Jesse Eisenberg, quien fue capaz no sólo de mostrar las facetas más desagradables de su personaje Mark Zuckerberg, sino también de expresar su lado brillante y generar una cierta simpatía.

The Social Network se afirma como obra maestra en su escena final, la cual completa definitivamente el retrato de Zuckerberg. En esa secuencia, el personaje queda solo delante de su laptop, enviándole una friend request en Facebook a su antigua novia, la misma que lo rechazó en la escena que abre la película.
Esta conclusión nos revela el tema principal que intenta vehicular la película y que corresponde a esa idea de que las creaciones más ambiciosas y revolucionarias surgen a partir de frustraciones personales. Al igual que el trineo Rosebud simbolizaba en Citizen Kane la infancia y la felicidad que Charles Foster Kane se vio obligado a abandonar para encargarse de su imperio naciente, la creación de Zuckerberg en The Social Network tiene su origen en el rechazo sentimental y conduce al personaje a un estado de aislamiento. El propio David Fincher describió a The Social Network como una “Citizen Kane para la era digital”. Efectivamente, la película es un reflejo del período en el cual se desarrolla. Es, por lo tanto, una obra que define nuestro tiempo.

- Pierre & Manuel Lestruhaut

Top 10: Escenas musicales de películas (2010)

2011-02-19T04:01:00.000-08:00

Peor escena: cualquiera de Scott Pilgrim

Hacer una recolección de las mejores escenas musicales es probablemente de las pocas cosas realmente originales que hemos hecho en este blog. Poniendo a funcionar la memoria, recordamos que en los Gummy Awards 2009 de Stereogum hicieron un top 10 bajo la misma idea que también incluía series televisivas, pero el único medio "mainstream" en donde hayamos visto algo parecido es en los MTV Movie Awards con su serie de premios idiosincráticos como Mejor Beso, Mejor Pelea, Mejor Villano, entre otros, con ganadores siempre elegidos mayoritariamente por los adolescentes estadounienses.
Desafortunadamente, el premio "Best Musical Sequence" no duró mucho, solamente 3 años de 2000 a 2002, con un regreso en el 2005, justo para que ganara Napoleon Dynamite. Por ahí también hubo un premio a "Dance Sequence" y "Song from a Film" que tampoco duraron mucho, de todas formas entre la gran mayoría de canciones olvidables que podían aparecer, ocasionalmente había una nominación para alguno que otro clásico como la combinación imparable de Aaliyah y Timbaland que revolucionó el R&B, simplemente para perder contra Aerosmith.
Pero regresando a la categoría de "Musical Sequence", ahí por lo general sí podían aparecer nominados mucho más interesantes. Reconocieron por ejemplo a dos escenas que entraron en nuestro Top 10 de la década, la de Almost Famous y la de O Brother Where Art Thou?, entre otras memorables como Jack Black en High Fidelity, sin olvidar que la primera ganadora fue la histórica "Uncle Fucka" de South Park: Bigger, Longer & Uncut, de las pocas cosas que a uno le encantan cuando tiene 12 años o 21 años. Nos hubiese gustado que los MTV Movie Awards continuaran con la categoría, por lo menos para comparar con la nuestra y tener algún equivalente “mainstream” de nuestra lista. En éste caso simplemente se asume que habría ganado alguna escena de Twilight.
También hay que señalar que antes de empezar a ver películas bajo un ritmo endemoniado a finales del 2010 y principios de este año, no pensábamos en hacer un Top 10 de escenas musicales de películas porque no imaginábamos que fueran a haber diez escenas para compilar un Top 10 satsfactorio. Pero conforme aumentaba la cantidad de cintas que veíamos y continuaban apareciendo escenas interesantes, nos dimos cuenta que había más que suficiente calidad para hacer un Top 10.

10. Kick-Ass - "(Banana Splits) Tra La La Song"
(Dir. Matthew Vaughn)

La desmistificación del super héroe que guía el relato de Kick-Ass se ve claramente en sus dos personajes principales. Kick-Ass (el personaje) posee los principios y valores morales de un héroe pero no tiene ningún talento, mientras que Hit-Girl solamente presenta una sed de venganza sin misericordia pero también toda la capacidad para realmente patear traseros. Es esa especie de contradicción humorística, bajo la cual funciona toda la película, que se ve representada en la escena. Hit-Girl elimina a cada uno de sus enemigos presentes con la mayor sangre fría imaginable, al mismo tiempo que suena "Tra La La Song" de The Dickies, que uno se imaginaría más como soundtrack de un programa para niños que para una escena tan sangrienta.

9. Somewhere - "My Hero" / "1 Thing"
(Dir. Sofia Coppola)

A pesar de que Somewhere es una especie de Lost in Translation en versión padre e hija, menos interesante y con actores más limitados, Sofia Coppola siempre es capaz de capturar el aburrimiento de manera muy particular. En la primera escena de baile, la coreografía de las gemelas bordea lo absurdo y lo cómico, aún más con la reacción de su único espectador, sin mencionar el pésimo "hit" de Foo Fighters como música de fondo. Pero en la segunda, con "1 Thing" de Amerie la coreografía parece funcionar, ahora tienen de fondo uno de los mejores éxitos R&B de los últimos años y con eso Coppola es capaz de capturar toda la sensualidad de las gemelas, cautivando al público y también al personaje principal. Algo que Coppola también capturó muy bien con Kate Moss en el vídeo de "I Just Don't Know What to Do with Myself" de The White Stripes.

8. I Love You Phillip Morris - "Chances Are"
(Dir. Glenn Ficarra & John Requa)

Para ser una película sobre un estafador que se enamora de otro hombre en la cárcel, I Love You Phillip Morris se mantiene a la altura de un concepto tan intrigante, y explota las yuxtaposiciones cómico-románticas como pocas comedias románticas lo hacen. La escena del baile en la celda es una de las mejores de la cinta, representando de manera humorística y hasta elegante las complicaciones de enamorarse en prisión.

7. Fish Tank - "Life's a Bitch"
(Dir. Andrea Arnold)

No es ninguna coincidencia que Fish Tank termine con "Life's a Bitch", una de las mejores canciones del clásico Illmatic de Nas, aquel retrato fascinante de la complicada vida de un joven en Queensbridge. La película por su parte muestra la desafortunada vida de una joven en Essex, Inglaterra, en donde aparentemente si no se puede ser "b-girl", hay que ser "stripper", del mismo modo en que Nas vivió la dura realidad de que si no se puede rapero, hay que ser "dealer". Y con "Life's a Bitch", el personaje principal Mia nos ofrece su último baile, habiendo tomado conciencia de la dura realidad en la que vive, una historia que trasciende el tiempo y las fronteras.

6. Black Swan - "Nina's Dream"
(Dir. Darren Aronofsky)

El video de esta esta escena no está disponible en la red, pero se trata de la secuencia que abre la película, en la cual el personaje de Natalie Portman sueña que está interpretando el Lago de los Cisnes. Clint Mansell, compositor de la película, se puso a travesear el ballet de Chaikovski y lo adaptó a la visión perversa del director Darren Aronofsky. En la secuencia, al igual que en el resto de la película, la música se integra perfectamente con los efectos de sonido para crear una atmósfera que se sitúa en la frontera entre el sueño y la pesadilla. Aquí al menos se puede escuchar la pieza:

5. Les Amours Imaginaires - "Pass This On"
(Dir. Xavier Dolan)

Con tan sólo 20 años de edad, el quebequés Xavier Dolan ya va por su segundo largometraje. La trama de Les Amours Imaginaires se ve reflejada en esta secuencia, que nos muestra cómo la relación entre dos mejores amigos (un hombre gay y una mujer heterosexual) comienza a verse afectada cuando entra en sus vidas un hombre del cual ambos se enamoran (o creen enamorarse). Dolan consiguió adaptar perfectamente el calipso "Pass This On" del duo sueco The Knife a su obsesión por las secuencias en cámara lenta. La escena, además de reflejar la virtuosidad técnica y estética del director, es valiosa desde el punto de vista de la caracterización de los dos personajes principales, ya que nos permite observar el contraste en la manera en que cada uno idealiza al "hombre de sus sueños".

4. Dogtooth - "Anniversary Dance"
(Dir. Yorgos Lanthimos)

Entrar en cada detalle de la riqueza del humor negro que caracteriza a Dogtooth daría para realizar todo un ensayo a parte. Ésta escena en particular captura toda la inocencia de los niños-adultos y su falta de interacción con el mundo exterior mostrando de lo que son capaces cuando se lanzan en la creación artística: una coreografía absurda basada en escenas de baile de películas hollywoodenses, y acompañada por una repetitiva pieza de guitarra con la cual ninguna persona con un mínimo de sentido común haría el más mínimo baile. Sin embargo, al igual que el resto de la película, la escena camina una delgada línea entre lo cómico y lo patético, retratando el lado absurdo e incluso humorístico del trágico aislamiento de los tres personajes, así como la manipulación bajo la cual viven.

3. Blue Valentine - "You and Me"
(Dir. Derek Cianfrance)

La película Blue Valentine pone en escena la desintegración de un matrimonio de seis años, al mismo tiempo que nos muestra flashbacks que narran cómo nació esa relación entre los personajes interpretados por Ryan Gosling y Michelle Williams. Las dos escenas que escogimos aparecen cerca de inicio y del final de la película, respectivamente. La primera secuencia ocurre en la patética "habitación del futuro" de un motel, con los personajes bailando su canción preferida "You and Me", en un último intento fallido de salvar la relación. La segunda escena muestra el momento en que Ryan Gosling le hace escuchar por primera vez a Michelle Williams dicha canción. Hay un claro contraste en la ambientación de ambas secuencias, pero lo más interesante es la interacción entre los dos personajes, lenta y forzada en la primera escena, llena de entusiasmo y emoción en la segunda.
Como dato anecdótico, cabe señalar que la canción "You and Me" había sido grabada como un demo a inicios de los años 70 por el desconocido grupo Penny & the Quarters. El demo pasó rápidamente al olvido, pero su inclusión en Blue Valentine ha generado mucha curiosidad y un interés en identificar a los miembros de la desaparecida banda.

2. The Social Network - "In the Hall of the Mountain King"
(Dir. David Fincher)

Sin haber visto la película, esta secuencia no parecería tener absolutamente nada que ver con la creación de Facebook. Vista independientemente del resto del relato, es sin duda alguna una de las mejores escenas que vimos en todo el año, no sólo por el excelente uso de la pieza "In the Hall of the Mountain King" de Edvard Grieg, adaptada por Trent Reznor y Atticus Ross, sino también por cómo David Fincher captura de manera tan absorbente toda la intensidad y el dramatismo de la carrera. Pero además, vista en conjunto con el resto de la película, esta escena representa el momento decisivo en el cual los gemelos Winklevoss (alias "the Winklevi") deciden por fin demandar a Mark Zuckerberg, resaltando el aspecto de niños ricos privilegiados de su personalidad, con toda su incapacidad para soportar la derrota y la humillación. "Screw it. Let's gut the freakin' nerd".

1. I'm Still Here - "I'm Still Here"
(Dir. Casey Affleck)

Joaquin Phoenix y su fracasada carrera como rapero (que, como todo mundo se imaginaba, era en realidad una actuación como parte de un "prankumentary" de Casey Affleck) simplemente no podían quedarse fuera de tal lista. Ésta, su última actuación en vivo, es justamente el clímax de la película, el momento en el que mejor se aprecia cómo la carrera de Phoenix se había vuelto poco más que una broma, por cómo todos los asistentes filman la humillación pública con sus celulares listos para compartirla en Youtube y vivir más el momento cómico que apreciar la música.
Pero más allá del interesante concepto de cómo I'm Still Here desafió las reglas del "mockumentary" para inventar el "prankumentary", en escenas como ésta se puede apreciar la minuciosa dedicación que se le dio a la creación de tal personaje público, no sólo por los detalles de su comportamiento en el escenario, sino también por la capacidad de escribir una canción sutilmente hilarante, digna de los mejores años de Ricky Gervais, con versos como: "History perverted me, words can never harm me / Saying I'm the epitome of a fucking rap self-parody", o "Nevertheless I wish you the best and pray you get to Heaven / But more than likely you'll be burning with the Devil". Simplemente no se podía elegir otro género que el rap para construir de manera tan exitosa tal personaje.

- Pierre & Manuel Lestruhaut

Grammy Awards 2011

2011-02-13T23:09:00.000-08:00

Lady Antebellum wins five Grammys!!!!

No vi los Grammy este año. Por lo general nunca los veo, porque no me llama la atención el 95% de los artistas que se presentan en vivo, y con mucha suerte hay algún nominado relativamente interesante a "Album of the Year" y que casi siempre se una a la lista de los grandes artistas que perdieron en esa categoría (Radiohead, Beck, The White Stripes, Kanye West...). Y además este año sí tenía otras cosas más interesantes que hacer, algo así como una buena excusa para no verlos.
Este año Arcade Fire lo tenía todo para unirse a esa lista. Es "indie rock" después de todo, a pesar del #1 en Billboard todavía es "indie rock". Esa cosa extraña que solía representar una metodología específica de distribución de discos y un conjunto de principios compartido por algunas personas, y que ahora es más un término general que describe una forma de vestir y de actuar en un escenario. Pues ésta noche el indie rock ganó. Le ganó a las pop stars femeninas del Siglo XXI, al rapero que hace 10 años dejó de interesarle a todo mundo y sobre todo al insoportbale country pop de Lady Antebellum (ya había ganado Taylor Swift el año pasado, por favor no podía ganar algo así otro año más).
El "indie rock" necesitó de un buen puñado de clásicos a lo largo de la década pasada, y otro puñado de discos haciendo estragos en Billboard en el 2010 para finalmente llamar la atención de la Recording Academy, ese grupo de personas que eligió a Robert Plant & Alison Krauss por encima de Radiohead y Lil' Wayne en el 2009. Y por supuesto la victoria de Arcade Fire va a emocionar a toda persona que tenga interés en todas las cosas "indie" (Pitchfork divulgó la noticia inmediatamene) e incluso "arena rock" (Rolling Stone también). Hasta Kanye West no dudo en twittear: "#Arcade fire!!!!!!!!!! There is hope!!! I feel like we all won when something like this happens! FUCKING AWESOME!". Arcade Fire va en camino a convertirse en la gran "arena rock band" de nuestra época, de eso no queda la más mínima duda. Lo cual está muy bien, todo el mundo debería escuchar una banda así de buena, y ganar un premio como éste los expone a una cantidad de público enorme que probablemente no tenga mucho interés en el término "indie". Y tal vez hasta ayude a que tengamos cada vez más bandas "indie" dominando los charts, sabiendo que todo el mundo está consciente que el desarrollo de internet, los webzines, los blogs, las descargas gratis han beneficiado al "indie rock" más que a nadie.
Pero ¿Es algo bueno que el indie rock se vuelva tan popular? ¿Tiene alguna relevancia que Arcade Fire se una a Celine Dion y Dixie Chicks en una lista de discos del año? ¿Todo movimiento que empieza a un nivel "underground" y eventualmente cruza al "mainstream" se vuelve automáticamente mediocre (punk, hip-hop, graffiti)?
No se puede responder absolutamente nada concreto a esas preguntas que un irrelevante blogger se hace. El rap vivió ésto mismo, después de la época que vió salir sus primeros clásicos universales, el género empezó a ganar consideración en los Grammy, hasta que Outkast finalmente ganó con su disco doble, años después de haber sacado su verdadero clásico Aquemini, igual que lo que acaba de suceder con Arcade Fire. Incluso da un poco de medio pensar en qué se podría convertir el "mainstream indie", si uno ve en qué se convirtió el "mainstream rap" en éstos últimos años. Pero a pesar de cada rapero sin talento que firma una gran disquera, siempre hay alguien salvando al "mainstream rap". Kanye sacó hace unos meses uno de los mejores discos de rap de la historia, y Jay-Z y Big Boi son capaces de sacar alguno que otro "hit single" imparable en cualquier momento. Sin mencionar la siempre presente existencia de jóvenes raperos y productores alimentando el género a un nivel menos "mainstream": Das Racist, Freddie Gibbs, Shabazz Palaces, Curren$y, entre otros, todavía tienen mucho que dar en los años a venir.
Y supongo que la evolución del "indie rock" no va a ser muy diferente, siempre tendrá a una enorme cantidad de gente haciendo buenas cosas por el género, más allá de cuanta banda esté sonando como una mala versión de The Strokes, contrate a Danger Mouse como productor, o se venda ante la mediocridad después de tener éxito en los "charts".
Estoy muy contento por Arcade Fire, como ya lo dije es una de las mejores bandas de nuestra generación, se merecen ésto y ganar popularidad nunca puede ser algo malo, pero los Grammy definitivamente van a seguir teniendo muy poco interés en mi pequeño mundo musical. Por lo menos mientras que por cada Arcade Fire que gane "Album of the Year", haya un Lady Antebellum que le gane a Jay-Z y Cee-Lo en "Record of the Year", un Danger Mouse que domine "Alternative Album" ahora que desaparecieron The White Stripes, y un 80% de los nominados en las categorías importantes que me parezcan totalmente mediocres. Sin mencionar que Stephen Colbert hace parte de los votantes de la Recording Academy.
De hecho, nunca he leído un sólo artículo interesante sobre Outkast que se refiera a ellos como "Grammy Award Winners" ¿Por qué? Porque honestamente, nadie piensa que eso tenga alguna relevancia cualquiera en la carrera de una banda como esa.

- Pierre Lestruhaut

127 Hours or How I Learned to Stop Downloading and Love the Theater

2011-02-10T17:00:00.000-08:00

There will be blood here too

Diciembre, enero y febrero siempre son meses muy buenos para el que no tiene nada que hacer y decide gastar gran parte de su tiempo viendo películas. Es, como todos sabemos, la temporada de premios la cual viene acompañada con una lluvia de "DVD Screeners", esas copias promocionales enviadas por los estudios a críticos y votantes, y que alguien tiene la gentileza de subir a internet para poder descargar gratuitamente. Eventualmente alguna que otra de estas películas también llega a las salas de cine de Costa Rica, generalmente un par de meses después de haber estado a disposición el "DVD Screener".
En el caso de 127 Hours (la primera película de Danny Boyle luego del éxito masivo de Slumdog Millionaire y basada en la historia real de Aron Ralston, montañista estadounidense quien después de ver su antebrazo atrapado bajo una roca por 127 Horas decide entonces amputarse el brazo) como era de esperarse, entre la incertidumbre de saber cuales películas finalmente se estrenarían en las salas del país, me pareció una decisión mucho más acertada e inteligente, la de descargar y ver el DVD Screener que circulaba por internet en la comodidad de mi sillón, mi pantalla de laptop de menos de 40 cm y un par de audífonos, que esperar a ver si se decidían a quitar TRON: Legacy para estrenar algo un poco más interesante. Las maravillas del Siglo XXI.
Para sorpresa de todos la película se estrenó hace una semana, sin mucha promoción pero se estrenó, un mes después de haberla visto en mi laptop. Pero ahora finalmente la podía ver en pantalla grande y sonido envolvente, y además podía aportar mi contribución al desarrollo de las salas de cine, y el cine en general. Pero más allá de las dos razones obvias y no sociales para ir al cine, y honestamente ni tan obvias teniendo en cuenta que a los cinco minutos de iniciada la función estaba con ganas de emitir el clásico grito de "Turn it uuuuuuuup", y también que con el paso de los años la calidad de las copias en internet se ha vuelto realmente más que aceptable. Además de que por otro lado quien tiene ganas de apoyar una cadena de salas de cine que dura más de tres meses en traer The Social Network, pero que ya tiene afiches de Big Momma's House 3 antes de su estreno mundial.
Pero lo que más me llamó la atención de haber visto 127 Hours en el cine fue en realidad el vivir la experiencia colectiva que representa ver una película en el cine y compartirla con un grupo de desconocidos. Recientemente pude leer el libro de la serie 33 1/3 dedicada exclusivamente a discos de música, en este caso sobre Zaireeka de The Flaming Lips, y escrito por Mark Richardson. Zaireeka no es simplemente un disco de música, son cuatro discos que se tienen que reproducir simultáneamente en cuatro reproductores distintos, siendo así una obra musical grabada que obliga intencionalmente a la gente a reunirse poder escucharlo correctamente, entre otras implicaciones musicales (en realidad uno sí lo puede escuchar estando solo, pero en general involucra el uso de cronómetros y es mucho menos divertido). Lo interesante del libro es cuando Richardson hace una paralela entre Zaireeka y la actividad de ir al cine, citando el video de David Lynch en YouTube que impugna la práctica de ver películas en un celular, o como dice el maestro: "If you're playing the movie on a telephone, you will never in a trillion years experience the film. [...] It's such a sadness that that you think you've seen a film on your fucking telephone. Get real". Porque también hay que señalar que más allá de las dos razones que ya citamos, el ir al cine supone participar en cierto un ritual que comprende no sólo el planeamiento y el acomodarse a un horario, pero también el compartir la experiencia de ver una película con un grupo de personas. Ésto último puede parecer poco interesante, y seguramente uno puede preguntarse cual puede ser el interés de justamente compartir una película con unos cuantos desconocidos en la oscuridad.
En el caso de 127 Hours, desde principios de noviembre ya circulaban noticias de desmayos, mareos, vómitos y ataques de pánico sufridos por personas que asistieron a las funciones causados como todos imaginamos por la escena de la amputación del brazo, o como nos gusta llamarla por aquí: "La salvajada". En la función a la cual asistí no hubo nada de eso, pero me llamó increíblemente la atención el disgusto, el malestar y la tensión que generó "La salvajada" en la casi totalidad del público de la sala. Y no sólo esa escena, también la escena de la caída en la cual termina con el brazo atrapado bajo la roca, así como los distintos momentos de tensión y de humor que vive el personaje estando atrapando entre las paredes del cañón. Era verdaderamente fascinante y emotivo compartir la reacción hacia éstos distintos eventos proyectados en una pantalla con ésta pequeña congregación. Por momentos se podía sentir como si todos estuviésemos entre esas paredes con Aron Ralston sin posibilidad de ayudarlo, simplemente contemplando su desafortunada situación, preguntándonos si podíamos aguantar más que él. Y aparentemente en algunos lugares del mundo, efectivamente hay gente que no logró llegar hasta el final (pussies).
El haber asistido a tal experiencia colectiva de resistencia frente a la pantalla probablemente no cambie mucho mi opinión sobre la película en sí. Todavía me parece un muy interesante concepto de película, bien materializado por la visión de Danny Boyle y la interpretación de James Franco, pero que no logra ser el retrato cautivante sobre la angustia y a la vez monotonía de estar atrapado en un lugar para el cual tenía potencial, y que sí logró alcanzar por ejemplo Gerry de Gus Van Sant. Aún más con el irritante hábito que tiene en común 127 Hours con otra infinidad de cintas, de introducir una historia de amor y arrepentimiento cuando el personaje vive una situación que lo coloca entre la vida y la muerte. Por lo menos lo hace de manera más elegante y sutil que Cast Away.
Pero supongo que a pesar de ello, éste es el tipo de película que en el futuro tal vez me recuerde que ir al cine no es todo comodidad y calidad visual y auditiva, es también una experiencia colectiva, algo que uno comparte con unos cuantos desconocidos deseosos de ver algo interesante en una pantalla, independientemente de si uno fue con un grupo de amigos. Y algunas veces esa puede ser en realidad una parte interesante del evento. Muchas veces la calidad de un concierto de rock depende mucho del entusiasmo del público, por ejemplo que hubiera sido la reunión de The Dismemberment Plan si nadie sube al escenario para "The Ice of Boston"

- Pierre Lestruhaut

Suegirl mix #8: Febrero 2011

2011-02-06T00:44:00.000-08:00

Should Women rule the world?
Is Wu-Tang really gonna be there forever?
Are Vivian Girls' side projects better than Vivian Girls?
Does Cut Copy still make good dance-pop?
Are we starting to sound like HIPSTER RUNOFF?

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1. Women - "Bullfight"
(0:00 - 3:52)
Single (Faux Discx; 2011)

2. Young Prisms - "Sugar"
(3:53 - 7:11)
de Friends for Now (Kanine; 2011)

3. Thank You - "1-2-3 Bad"
(7:12 - 11:00)
de Golden Worry (Thrill Jockey; 2011)

4. Hunx and His Punx - "Lovers Lane"
(11:01 - 14:36)
de Too Young to Be in Love (Hardly Art; 2011)
disponible el 29/03

5. Secret Cities - "Love Crime"
(14:37 - 18:17)
de Strange Hearts (Western Vinyl; 2011)
disponible el 29/03

6. La Sera - "Devils Hearts Grow Gold"
(18:18 - 20:43)
de La Sera (Hardly Art; 2011)
disponible el 15/02

7. James Pants - "Alone"
(20:44 - 24:29)
de James Pants (Stones Throw; 2011)
disponible abril 2011

8. G-Side - "How Far"
(24:30 - 27:53)
de The ONE... COHESIVE (Slow Motion Soundz; 2011)

9. Raekwon - "Shaolin vs. Wu-Tang"
(27:54 - 30:24)
de Shaolin vs. Wu-Tang (Ice H2O/EMI; 2011)
disponible el 08/03

10. Monster Rally - "Color Sky" / "Splash Talk"
(30:25 - 34:48)
de Coral (Gold Robot; 2011)

11. Adventure - "Feels Like Heaven"
(34:49 - 39:17)
de Lesser Known (Carpark; 2011)
disponible el 22/03

12. Cut Copy - "Where I'm Going"
(39:18 - 42:49)
de Zonoscope (Modular; 2011)

13. Twin Sister - "I Want a House Built of Old Wood"
(42:50 - 44:43)
de Alternates (Curatorial Club; 2010)

14. Charles Bradley - "The World (Is Going Up in Flames)"
(44:44 - 48:04)
de No Time for Dreaming (Daptone; 2011)

Suegirl mix #7: The White Stripes

2011-02-02T15:03:00.000-08:00

Snif

Podcast repleto de b-sides y rarities dedicado a nuestro dúo favorito.
O mejor dicho Why The White Stripes will rule forever.

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1. "Let's Shake Hands"
(0:00 - 1:59)
de Let's Shake Hands 7" (Italy Records; 1998)

2. "Look Me Over Closely" (Marlene Dietrich cover)
(2:00 - 4:09)
de Let's Shake Hands 7" (Italy Records; 1998)

3. "Lafayette Blues"
(4:10 - 6:24)
de Lafayette Blues 7" (Italy Records; 1998)

4. "Hand Springs"
(6:25 - 9:14)
de Hand Springs/Cedar Point '76 split 7" (Extra-Ball; 1999)

5. "Party of Special Things to Do" (Captain Beefheart cover)
(9:15 - 11:56)
de Party of Special Things to Do 7" (Sub Pop; 2000)

6. "Lord, Send Me an Angel" (Blind Willie McTell cover)
(11:57 - 14:25)
de Lord, Send Me an Angel 7" (Sympathy for the Record Industry; 2000)

7. "Hotel Yorba" (Live at the Hotel Yorba)
(14:26 - 16:36)
de Hotel Yorba 7" (XL; 2001)

8. "Lovesick" (Bob Dylan cover; live at the Forum, London)
(16:37 - 20:17)
de Fell in Love with a Girl CD Single (XL; 2002)

9. "Stop Breaking Down" (Robert Johnson cover; live at the BBC Studios, Maida Vale)
(20:18 - 25:54)
de Dead Leaves and the Dirty Ground 7" (XL; 2002)

10. "Red Death at 6:14"
(25:55 - 28:52)
de Red Death at 6:14 7" (XL; 2002)

11. "Candy Cane Children"
(28:53 - 31:15)
de Candy Cane Children 7" (V2/XL; 2002)

12. "I Fought Piranhas"/"Let's Build a Home" (Live at Electric Lady Studios)
(31:16 - 36:28)
de There's No Home for You Here 7" (XL; 2004)

13. "Do (Live Under Blackpool Lights)"
(36:29 - 39:47)
de Jolene (Live Under Blackpool Lights) 7" (XL; 2004)

14. "Screwdriver" (Live at Manaus)
(39:48 - 44:51)
de Walking with a Ghost EP (V2; 2005)

Destroyer - Kaputt

2011-01-13T12:47:00.000-08:00

Dear Dan Bejar,

I have been a fan of The New Pornographers for quite a while, and sincerely consider this band as having one of the best discographies of the past ten years, with Together being also among my favorite albums of 2010. Still, as I have previously stated in this very influential and popular blog, I’ve found it curious that the three songs on Together that Wikipedia credits as being written by Dan Bejar are infinitely inferior to the ones written by AC Newman, to the point that I simply skip these 3 songs every time I listen to the album. I should probably even consider not putting them in my iPod, which would allow me to just listen to the 9 songs AC Newman wrote without interruption from yours. Because frankly I don’t think I can listen to that awful and unbearable “Sil-vah Jen-ay Doll-uh” without wanting to crush my speakers, even less with you singing it with that voice that someone once creatively described as a “lazy turtle trying to pull himself out of a heroin coma”.
On the other hand, I have always found the Destroyer discography to be quite respectable. Not near The New Pornographers’, or even AC Newman's or Neko Case’s solo careers, but still made of mostly top to bottom good-not-great albums (ignoring that voice), that won’t make it to my iPod, but might survive in my external hard drive, at least Streethawk and City of Daughters.
Concerning your new album Kaputt, now that I have given it the standard minimum of five listens that I require to issue my judgment, all I can do is transmit my most sincere frustration because this is actually not a bad album. I personally thought, after what seemed like a complete creative hole in that fifth New Pornographers album, that when time came to hear a new Destroyer album it would made of pretty much the same cheesy pop songs you wrote for Together. But Kaputt is really not bad at all, I mean there’s only one really good song that could rival with anything the most creative hook crafter there is (AC Newman) has ever made, but overall this is actually listeneable because there are enough good melodies that make us forget the lazy turtle in your throat.
So finally, all I’m asking is that when time comes for a New Pornographers album, if you could just put a little more effort into it. I understand that a lot of the popularity of the Pornographers is due to the success of Destroyer and probably attendance to their shows would decrease without your presence in the band, but I just feel that A.C. Newman deserves a little more than “Sil-vah Jen-ay Doll-uh” next time. You can try as many pseudo jazz-David-Bowie-Berlin-era experiments and attempts to gain fans from Ariel Pink’s base as much as you like in your solo projects if that’s what you want. And that’ll probably get you at least a Best New Music in Pitchfork, but when asked to contribute for a new Pornographers album, I don’t think it would hurt to deliver a “Downtown” or "Kaputt" next time.
Because I have to admit that there was one time, a long time ago, when your voice and childish melodies could fit perfectly a New Pornographers album, and that was the year Twin Cinema got released. Because in the middle of such caos and playfulness and weirdness, not only was there room for such an idiosantric element but it actually sounded good with what the rest of the band had to bring in.

Sincerely,

Pierre Lestruhaut

Suegirl mix #6: Enero 2011

2011-01-09T23:31:00.000-08:00

2011cast: Deerhoof still deconstructing pop music, The Go! Team still reconstructing pop music, Danielson still got that awful voice, and guess what... The Babies still sounds a lot like Vivian Girls. Plus James Blake and Tennis sound great together.

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1. Deerhoof - "The Merry Barracks"
(0:00 - 3:32)
de Deerhoof Vs. Evil (Polyvinyl; 2011)
disponible el 25/01

2. Akron/Family - "So It Goes"
(3:33 - 6:05)
de S/T II: The Cosmic Birth and Journey of Shinju TNT (Dead Oceans; 2011)
disponible el 08/02

3. Danielson - "Grow Up"
(6:06 - 9:18)
de Best of Gloucester County (Sounds Familyre; 2011)
disponible el 22/02

4. Gruff Rhys - "Shark Ridden Waters"
(9:19 - 13:40)
de Hotel Shampoo (Turnstile; 2011)
disponible el 08/02

5. The Go! Team - "T.O.R.N.A.D.O."
(13:41 - 15:47)
de Rolling Blackouts (Memphis Industries; 2011)
disponible el 01/02

6. Dirty Beaches - "Lord Knows Best"
(15:48 - 19:07)
de Badlands (Zoo Music; 2011)
disponible el 29/03

7. Tennis - "Cape Dory"
(19:08 - 21:25)
de Cape Dory (Fat Possum; 2011)
disponible el 18/01

8. Cloud Nothings - "Understand At All"
(21:26 - 23:58)
de Cloud Nothings (Wichita/Carpark; 2011)
disponible el 25/01

9. The Beets - "Cold Lips"
(23:59 - 25:14)
de Stay Home (Captured Tracks; 2011)
disponible el 11/01

10. Smith Westerns - "Dye the World"
(25:15 - 29:17)
de Dye It Blonde (Fat Possum; 2011)
disponible el 18/01

11. Papercuts - "Do What You Will"
(29:18 - 32:56)
de Fading Parade (Sub Pop; 2011)
disponible el 01/03

12. The Babies - "Wild I"
(32:57 - 36:27)
de The Babies (Shrimper; 2011)
disponible el 08/02

13. James Blake - "I Never Learnt to Share"
(36:28 - 41:18)
de James Blake (ATLAS/A&M; 2011)
disponible el 08/02

14. John Vanderslice - "Sea Salt"
(41:19 - 45:37)
de White Wilderness (Dead Oceans; 2011)
disponible el 25/01

15. Mogwai - "Rano Pano"
(45:38 - 50:49)
de Hardcore Will Never Die But You Will (Sub Pop; 2011)
disponible el 15/02

Girl Talk - All Day

2010-12-24T17:15:00.000-08:00

“I always used to encourage everyone I met to make art [...] I don't really do that so much anymore.” - Banksy

Probablemente la infinidad de lectores que frecuentan diariamente éste blog ya se imaginan que aquí hay una especie de obsesión con respecto a todo lo que hace Girl Talk, y probablemente saben que pienso que Girl Talk es una basura.
En realidad no es que tenga nada contra el mashup (o pop bastardo como traduce Wikipedia) como género de música o expresión artística. La idea de juntar porciones de piezas preexistentes para crear algo nuevo, ha dado nacimiento a muchos de mis trabajos musicales favoritos, desde Paul’s Boutique a Since I Left You, y en todos éstos siempre hay algo totalmente convincente en la forma de usar samples. No sólo para crear algo nuevo, totalmente diferente de lo que ya existe, pero en como el sample tiene una función muy distinta a la que tenía originalmente. Como por ejemplo utilizar el “…just to watch him die” de Johnny Cash como punch line en “B-Boy Bouillabaisse”, o el infinitamente citado sample de Funkadelic en “Rill Rill” de Sleigh Bells. Uno sabe exactamente de donde vino el sample pero jamás se imaginó que alguien le daría una función musical tan original.
Por su parte Girl Talk, no hace absolutamente nada interesante ni original con los samples, solamente lo mismo que ha venido haciendo desde su primer álbum: traslapar hooks reconocibles de canciones pop, a veces con el flow de algún rapero cualquiera que se encontró en su colección, y repetir la fórmula hasta el aburrimiento extremo. Si se toma como ejemplo, en su último disco All Day, la pieza “Let it Out”, se escucha una serie de samples instantaneámente reconocibles: “Tenderness” de General Public, “Mr. Blue Sky” de Electric Light Orchestra, “Liquid Swords” de GZA, “Loser” de Beck, “Mr. Big Stuff” de Jean Knight (infinitamente mejor utilizada en…. Paul’s Boutique) y “Waiting Room” de Fugazi, acompañados desde Jay-Z hasta Wale y Rihanna. La canción es apenas disfrutable salvada únicamente por el hecho de que tiene muy buenos hooks. Como si no supieramos lo bueno que es el beat de “Liquid Swords” o los riffs de “Loser” y “Waiting Room”, y si quieren agregarle a Rihanna encima, pues porque no probablemente cualquier otra cantante no se oiría muy mal con Fugazi de acompañamiento. Esa es la primera función interesante de un disco de Girl Talk, recordarnos lo buena que es la música que hizo otra gente que NO es Girl Talk. Incluso hay fans que compilaron una lista de todos los samples utilizados en el disco, y que se puede encontrar aquí, y que ha sido de mucha utilidad para reconocer los samples desconocidos, y me ha permitido descubrir alguna que otra buena canción que no conocía. Así, éste disco tiene su segunda función interesante, que es el poder descubrir buena música que NO hizo Girl Talk.
Una paralela que se puede hacer entre Girl Talk y el mundo del arte visual es a través del documental Exit Through the Gift Shop y su personaje central, el artista Mr. Brainwash o MBW, nacido Thierry Guetta. La opinión general considera que todo el documental es en sí una gran broma montada por Banksy para demostrar como un artista desconocido con un trabajo poco interesante y hecho sin mucha reflexión, puede con una gran campaña de promoción y mucha mucha “hype” tener un enorme éxito y hacerse un nombre en el mundo del arte. Sin embargo vamos a asumir que el documental es 100 % real, como dice el propio Banksy (¿cómo no va a ser así?), y que Mr. Brainwash no es un personaje creado por Banksy, pero de verdad Thierry Guetta intentando montar su propia exposición. De cualquier manera el problema que plantea el documental es el mismo: cualquier pelele con mucha hype y muchos contactos puede tener éxito en el mundo del arte.
Ahora es cierto que Girl Talk se ha venido construyendo su reputación de abajo hacia arriba, contrariamente a MBW, pero el trabajo que hace MBW es alarmantemente parecido a lo que realiza Girl Talk. Se trata de tomar imágenes históricas, la gran mayoría protegidas por derechos de autor, y realizar ciertas modificaciones en referencia directa a otras obras o a cualquier idea aleatoria que se le haya ocurrido. Es básicamente el mismo concepto de Girl Talk de unir canciones populares aplicado al arte visual. O como lo define el propio Banksy en dos frases del documental:

“There's no one like Thierry, even though his art looks like everyone else's”.
“Warhol made a statement by repeating icons until they became meaningless, but he was extremely iconic in the way he did it. Thierry really... made them meaningless”.

Es como comparar Since I Left You y All Day. The Avalanches tenían la cantidad más exorbitante de samples que uno pudiera imaginar, pero eran capaces en la excesiva yuxtaposición de samples crear su propio paisaje sónico como nadie nunca lo había hecho, a través de un verdadero disco que no celebraba los samples por ellos mismos, pero en un universo totalmente nuevo, el universo de The Avalanches. En cambio Girl Talk convierte a sus samples, en samples sin mucho sentido, “meaningless” como dice Bansky sobre MBW. No hay mucha diferencia entre escuchar la música y leer en internet los samples utilizados por girl Talk: “Hey Ladies” con “Lust for Life”, “Shutterbug” con “Sour Times”, Ol’ Dirty Bastard con “Creep”… Sí, eso es básicamente lo que se escucha, y no es muy difícil imaginarse como sonaría sin haberlo escuchado antes.
Por supuesto todos sabemos que Girl Talk tiene sus defensores, como el sorprendente 8.2 que tuvo All Day en Pitchfork, calificándolo de experiencia pop comunal y relato de la historia de la música pop. Pues sí Gregg Gillis es sin duda alguna un gran amante de la música con un vasto conocimiento de la música pop, pero es simplemente muy difícil de comprender que puede tener de disfrutable un revoltijo musical, más allá de la gente que se emociona al reconocer los samples obvios y piensan que es lo máximo que se le haya ocurrido poner juntos a Waka Flocka Flame y Mr. Oizo, seguidos de Birdman con Arcade Fire. A cualquiera se le pudo haber ocurrido tal cosa y si bien no se ve particularmente bien en el papel, a la hora de escucharlo suena verdaderamente horrible.

Top 10: Discos del 2010

2010-12-18T23:52:00.000-08:00

SPOILER: Girl Talk no lo logró

Siempre sentí que había algo de una cierta pretensión en hacer una lista de mejores discos, como una especie de sentimiento que quien hace la lista se cree superior a quienes la leen y que éstos no saben nada y por ende tienen pocos argumentos para contradecir. Puede sonar extraño, pero siempre tuve esa impresión. Por eso quiero dejar claro que ésta es una lista muy personal y representa sólo los pocos discos que me marcaron en el último año y que llegaron a mi pequeño radar musical compuesto de tres webzines, unos cuantos blogs, un par de podcasts semanales y metacritic. Estoy seguro de que hay una gran cantidad de discos buenos que no descubrí o no escuché lo suficiente y que en un par de años probablemente ésta lista sea muy diferente.
Pero bueno, en éste momento uno tiene claro de que lo marcó en el año, y en realidad compilar ésta lista fue realmente sencillo. Incluso pensaba que escribir sobre diez discos en poco tiempo iba a ser imposible, pero cuando uno tiene tan gran afinidad por algo, la tarea se vuelve muy fácil, y ésto me demostró cuanto me gustan cada uno de éstos lanzamientos.

10. Grass Widow - Past Time
[Kill Rock Stars]

Hace unos meses, cuando salió el segundo LP de Grass Widow tenía ganas de hacer un review en forma de compilación de referencias hacia otras bandas que se hicieron otros reviews de Past Time, para en cierta forma revelar la uniformidad de las demás bandas con las cuales se ligaba a Grass Widow. Lo que esperaba con esto por supuesto era ver que tanto se situaba a éste trío como una especie de riot-grrl revival, o que tanto se citaban a las demás all-girl-bands de los últimos años, o como lo resumen en Tiny Mix Tapes: “the Best Vivian Dum Dum Girls Coast”
Eventualmente, nunca publiqué nada pero sí me di a la tarea de leer muchos artículos sobre Grass Widow y sí descubrí cosas bastante interesantes. Y sí, prácticamente todos los artículos citan al movimiento riot-grrrl y a alguna girl-band reciente, pero todos los hacen con cierto grado de desprecio, resaltando más bien en que medida Grass Widow es capaz de en realidad distinguirse de éstos movimientos. Y sí, la razón por la cual lo logran es la misma para todos los críticos: las increíblemente sorprendentes harmonías que logran al cantar algo diferente las tres al mismo tiempo, y lo bien que se acopla a una base sencilla de punk-rock. Todo el mundo parecía estar de acuerdo en que ahí se situaba todo el atractivo de Past Time.
Lo que sí fue sorprendente fue ver que en Pitchfork, se recibió el disco con cierto recelo justamente por éste hecho, argumentando que le impedía alcanzar un nível lírico importante a la banda. Como si una banda de punk necesariamente tuviera que tener alguna trascendencia a nivel verbal o conceptual para pensar que es buena, y no fuera suficiente un trabajo tan novedoso en harmonías y texturas para ser aclamado.

9. Gonjasufi - A Sufi and a Killer
[Warp]

Casi todos mis discos favoritos de hip-hop están caracterizados por aquella vieja división creativa entre rimas y beats, entre MC’s y productores. Liquid Swords, Madvillainy y la más increíble y sorprendente copulación de rimas y beats que es Paul’s Boutique, tiene todos una muy estricta separación entre la parte vocal y la instrumental. A Sufi and a Killer es el inmenso salto hacia delante del hip-hop en su división vocales-beats en 2010. Gaslamp Killer es quien entrega los beats más extraños, eclécticos y oscuros que había escuchado en mucho tiempo y Gonjasufi completa la dosis de locura que es éste disco no sólo con su voz que ya caracterizé suficiente en artículos anteriores, pero con toda la exploración de su psique a través de las 19 canciones que conforman A Sufi and a Killer. Las letras de Gonjasufi respiran asociación libre por todo lado, pero tiene algo que no tienen los demás MC’s: su voz. No tiene la capacidad de rimar pero su voz le permite tal versatilidad, desde los rugidos en “SuzieQ”, hasta la suave y triste recitación en “Made”.
A Sufi and a Killer de verdad no tiene precedentes, y si bien los beats están lejos de lo que lograron los Dust Brothers, RZA y Madlib en los discos citados, hay que reconocer la inventividad y la variedad de los beats, así como lo irresistible de tener a un cantante como Gonjasufi sobrevolándolos.

8. The Walkmen - Lisbon
[Fat Possum]

“The Rat”, el primer sencillo de Bows + Arrows, segundo álbum de The Walkmen es para la opinión general, la mejor canción de The Walkmen. Apareció muy bien posicionada en varias listas de mejores de la década, es la única de la banda que tiene su propia página en Wikipedia y la única vez que pude verlos en vivo despertó mucho más entusiasmo en el público que cualquier otra canción de You & Me. Es la encarnación más enfurecida, tensa, desolada y perturbante (todo al mismo tiempo) que jamás se le haya visto a los neoyorquinos.
Sin embargo, también tiene algo que no encaja con lo que han venido haciendo desde You & Me. Como si la banda se hubiera hundido en una especie de búsqueda de un sonido mucho más pacífico y sereno, un sonido que les permitiría lograr hacer un álbum que valiera la pena de principio a fin. Tan bueno, que “The Rat” no tiene nada que hacer ahora en un concierto de The Walkmen a parte satisfacer a los que vinieron sólo a escuchar esa canción.
Su último álbum, Lisbon, es como una continuación de You & Me, probablemente no tan bueno, pero sí con una capacidad para desarrollar sonidos mucho más interesante. Lisbon tal vez no sea la experiencia principio a fin que es su predecesor, pero posee una gran cantidad de pequeños detalles musicales que lo hacen increíblemente absorbente, más allá de la producción vintage que les da el sonido característico. Como la guitarra en “Follow the Leader”, el riff de “Blue as Your Blood”, las trompetas en “Stranded”. Y por supuesto Hamilton Leithauser nunca había estado tan versátil, como si él fuera la voz del indie rock, a kilómetros de su estilo monótono en “The Rat”.

7. The New Pornographers - Together
[Matador]

2010 fue un año muy extraño para los grandes del indie rock. Enero y febrero dieron algunas decepciones, Spoon, Vampire Weekend, Yeasayer, y probablemente no fue hasta el quinto mes del año que recuperé la fe en una de las bandas que contribuyó a convertir al indie rock en algo masivo en la década anterior. Sabiendo que tenía muchas menos expectativas en ellos que en las que cité antes, ya que siempre he tenido mucho menos amor por Mass Romantic que por Kill the Moonlight o el debut de VW.
Pero como dije en mi propio review de Together, los canadienses liderados por A.C. Newman fueron capaces de grabar algo al nivel de sus mejores discos y haciendo las cosas prácticamente igual, sin pretensiones de pseudo-experimentación con distintos géneros, o de conceptualización del álbum detrás de una metáfora. Together fue simplemente, algunos de los músicos más talentosos de la escena independiente de Canadá haciendo lo que hicieron tan bien en Mass Romantic o Twin Cinema o incluso el debut solista de A.C. Newman: canciones con hooks que patean traseros. Sin importar que canción regular haya compuesto Dan Bejar y que no me motiva a bajar el nuevo disco de Destroyer, las de A.C. Newman aprovechan los recursos al máximo: las voces femeninas, la instrumentación no eléctrica y el momento correcto para tirar el hook, esos hooks que tuvieron a Together en “repeat” durante mucho tiempo y a The New Pornographers como una de mis bandas favoritas.

6. Deerhunter - Halcyon Digest
[4AD]

Sería interesante saber cuando Bradford Cox va a sacar un disco tal vez no malo, pero simplemente entre regular y bueno. Porque ya sea con Deerhunter o su proyecto como solista, la cuenta hasta ahora va en cinco discos extraordinarios en cuatro años (seis si se quiere contar Microcastle y Weird Era Cont. como separados). Sin embargo, las cosas algo cambian para Bradford Cox, no estamos hablando de reinvenciones al estilo Liars o Animal Collective, pero una especie de madurez en el tratamiento de sus canciones. Muy atrás quedaron los experimentos caseros de Cryptograms o del debut de Atlas Sound, o la necesidad excesiva de hacer los mejores pop tunes del año en Microcastle. Halcyon Digest es en cierta forma el final de la juventud para Deerhunter, porque ya no se mueren de ansias por ser escuchados, por ser diferentes, por transmitir algo, porque ya son estrellas del mundo del indie rock. Y todas las canciones en Halcyon Digest respiran una relajación nunca antes escuchada en Deerhunter, eso sí Bradford Cox nunca deja de hacer su propia remodelación del pop de los 60’s y shoegaze y dream pop, para hacer las mejores canciones del año, otra vez, simplemente dejó de ser ése joven salido de la adolescencia con ansias de ser escuchado. “Desire Lines” empieza con “When you were young, and your excitement showed, but as time goes by, does it outgrow?” cantada por Lockett Pundt con la mayor pasividad, suavidad y tal vez hasta aburrimiento.
Halcyon Digest es la mejor expresión musical que se haya hecho del aburrimiento, como repite Cox en algún momento: “You learn to accept, whatever you can get”.

5. Das Racist - Sit Down Man
[Mad Decent/Mishka/Greedhead]

¿Por qué la gente utiliza términos como “joke rap” o “hipster rap” para hablar peyorativamente sobre Das Racist? Paul’s Boutique no sería el clásico que es sin todas las rimas sin sentido y punch-lines grotescas, y “hipster rap” ha sido aplicado tanto a raperos con una visión más emocional del género como Cannibal Ox o el staff de Anticon, como a otros con una estética retro como The Cool Kids o Lupe Fiasco. Y sí, Das Racist están increíblemente llenos de punch-lines y también de referencias a una infinidad de cosas “hipsterish” de Grizzly Bear a Yeasayer hasta The Office y Seinfeld.
Pero al mismo tiempo, Das Racist están increíblemente conscientes de la etiqueta de “joke rap” que se les ha dado y son capaces de matarla durante todo el disco, ya sea en la repetición monótona de “We’re not joking, just joking we are joking, just joking we’re not joking” en “hahahaha jk?”, o en como arruinan sus frases intentando explicarlas como hacen con la referencia a Seinfeld en “rapping 2 u”.
Y en cuanto a los beats se refiere, algunos son verdaderamente buenos como los “synth wash” en “amazing” o el infeccioso sample vocal en “rapping 2 u”, y otros son verdaderamente mediocres. Pero Das Racist saben celebrar todos los más mediocres a su manera más humorística, como cuando cantan desafinadamente la melodía que compone el beat de “return to innocence”, o cuando se hartan de seguirle el ritmo al de “people are strange” y simplemente concluyen con “blablablabla… straaaange”. Es como si cada frase, cada expresión, cada intervención de los dos MCs en éste disco es una gran broma, y muchas no caen hasta la décima escucha y probablemente una gran cantidad ni siquiera las entendemos y es mejor googlearlas. Tan enormemente ridícula es la cantidad de referencias a la cultura popular que hacen éstos tipos.

4. Women - Public Strain
[Jagjaguwar]

Algunas cosas que una banda de indie rock pueden hacer con unas cuantas guitarras. Una muy linda y tradicional canción pop con una progresión de acordes simples. Utilizar una cantidad importante de reverb y feedback para hacer otra canción pop con una muy linda progresión de acordes y una mejor línea de bajo. Mandar a la mierda las canciones tradicionales y hacer una orgía de drones de más de 3 minutos. Emplear marcas de tiempo poco como 13/8 para tratar de hacer una canción pop un poco menos convencional. Hacer otra canción que tenga todo lo citado anteriormente. Tratar de hacer otra que sea relativamente punk, o por lo menos post-punk. Por qué no terminar una que tenga una melodía muy accesible tirándole por encima la mayor cantidad de distorsión que sea posible. O tal vez simplemente intentar de densificar todas las influencias indie-escas posibles en menos de 45 minutos. O mejor aún, hacer que la mejor canción del año sea un traslape incompresible de las mejores melodías que se les puedan ocurrir, y poner esa canción al final del disco. Y por último, pelearse en el escenario, terminar la gira abruptamente y dejar a sus fans en la incógnita de si algún día volverá a salir otro disco de la banda de indie rock más subestimada.

3. Kanye West - My Beautiful Dark Twisted Fantasy
[Def Jam]

El artículo escrito por Sasha Frere Jones el año pasado en el cual declaraba la muerte del rap, según él convertido a finales de la década, a nivel mainstream, en una especie de mezcla poco interesante de hip-hop con música de discoteca, quedando entonces los proyectos más creativos e interesantes a nivel relativamente underground para una base de fans fieles. Como Cuban Linx Pt. 2, o los mixtapes Freddie Gibbs.
My Beautiful Dark Twisted Fantasy es la respuesta que le da 2010 a ese artículo. No sólo es el mejor disco de rap del año, es probablemente el mejor disco de rap mainstream desde… ¿36 Chambers? ¿Paul’s Boutique? ¿De la historia? Por ahí tiene que estar.
My Beautiful Dark Twisted Fantasy es tan versátil en su capacidad de nutrirse de beats eclécticos e increíblemente innovadores, como todas las influencias de Kanye, así como de una serie de artistas colaboradores aportando desde una voz atractiva (Rihanna, John Legend), hasta de los mejores versos del año (Nicki Minaj en “Monster”, Pusha T en “Runaway”) que Ye sabe colocar perfectamente en el disco. Y el propio Kanye nunca había estado tan fino líricamente, con sus provocaciones egocéntricas en “Power” (“Tell ‘em Yeezy said they kiss my whole ass”), sus punch-lines ridículamente geniales (“Put the pussy in a sarcophagus”), e incluso una visión más humilde y humoristica de su personalidad y egocentrismo en “Runaway”.
Kanye parecía estar enterrado después de 808’s and Heartbreak ¿Cómo diablos se pasa de ser uno de los mejores productores del juego al principal espónsor del auto-tune? “Lost in the World” es como la respuesta a la resurrección de Kanye, es en donde él se da cuenta como Bon Iver, un artista indie-folk, utilizó mucho mejor el auto-tune que él, y no se avergüenza de celebrarlo sampleando esa canción y convirtiéndola en una dance-party y una especie de catarsis auto-tunesca.
Éste es el disco de Kanye que todos queríamos, pero que jamás pensamos que íbamos a tener.

2. Menomena - Mines
[Barsuk]

Hay algo en la música de Menomena, en la originalidad y emocionalidad de todo lo que hacen que es poco común en una banda de indie rock, que es casi cinemático.
Mines es probablemente el disco más triste de todo el año, con una tristeza tratada de manera tan inusual, porque esto no es The National y su “Fake Empire” en donde todo desde la voz del cantante hasta las progresiones del piano permiten desarrollar la música más triste del mundo, Menomena más bien tratan la tristeza con mucha acción, inquietud, sorpresa. Ellos también pueden hacer la música más triste del mundo, es cuestión de escuchar los primeros minutos de Mines, para descubrir la guitarra más triste imaginable, o ese piano lacrimoso al inicio de “Tithe” con luego la repetición del verso “And nothing sounds appealing” que guía el resto de la canción. Pero al mismo tiempo hay tantos detalles en la música de Menomena que logran distraer de ésa tristeza recurrente, como la tan inventiva instrumentación, la estructura poco convencional de las canciones con sus breaks salidos de la nada, o el hecho de que Danny Seim es de los bateristas más creativos del indie rock y puede por sí solo llevar una canción a lugares inesperados.
Mines recuerda mucho a Inception, no sólo porque la salida de ambos coincidió, pero por como Inception es también al fin y al cabo una historia muy triste sobre la pérdida del amor, la impotencia, el arrepentimiento y la imposibilidad de satisfacer nuestros deseos, y al mismo tiempo también es tratada de la manera menos convencional que se pudiera imaginar en la forma de un sci-fi thriller, elegantemente desarrollado desde el punto de vista narrativo, así como estético.
Es como si cada canción de Mines fuese el recuerdo un paisaje concebido por Cobb y su esposa: impresionante, sorprendente, inusual pero inevitablemente triste.

1. Joanna Newsom - Have One On Me
[Drag City]

Para un blog que se contenta con que la mayoría de los discos en su Top 10 del año tengan canciones con buenos hooks o buenos riffs o buenos beats o una que otra frase graciosa, escoger Have One On Me como el mejor disco del año, es como poner un rascacielos en medio de casas de dos pisos. Estamos hablando de un disco triple, con canciones que por lo general duran más de 7 minutos y cuyas letras llenan cuatro páginas de un libro del tamaño de la caja del vinilo.
También es de lejos, el disco menos accesible que haya sacado Joanna Newsom. The Milk-Eyed Mender era incluso radiable si no fuera por la entonces voz de chillona de Newsom, e Ys si bien ya llevaba hacia otra dirección con progresiones mucho más complejas e inesperadas en las canciones así como el desarrollo de interminables historias poéticas en cada canción, su duración no superaba la hora. Ambos discos se podían escuchar sin problemas en una sentada.
Have One On Me es casi un reto el poder escucharlo entero sin poder distraerse o querer pasar a otra cosa, o simplemente el tener el tiempo para hacerlo. No porque sea aburrido, pero porque es un disco que reta al oyente en muchos aspectos y debe ser innumerable la cantidad de gente que desecha el disco después de escucharlo una vez o con solo el hecho de ver que escucharlo toma más de dos horas.
Pero también es donde está toda la belleza de éste disco. Nadie más está haciendo canciones como éstas, y menos en tres discos a la vez. Y todo absolutamente todo hasta la portada con Joanna Newsom como una especie de reina del siglo XVIII rodeada de objetos preciosos, expresa y respira un exceso y una pasión que hace que las 18 canciones sean irresisitibles en todo aspecto. El tratamiento melódico en cada una de ellas, como es capaz de entrelazar melodías cada una mejor que la siguiente, con las letras siendo casi sin interés y más una contribución al desarrollo de la infinidad de hermosas melodías que aparecen en la totalidad del álbum.
No sé cuantas veces voy a volver a escuchar Have One On Me de principio a fin, las veces que lo haga probablemente sean ocasiones especiales. Pero probablemente serán muchas las veces en que me consumiré en alguno de los tres discos o alguna canción en particular, y continuaré apreciando toda la soledad y unicidad que tiene ésta masiva creación artística.

- Pierre Lestruhaut

Top 10: Canciones del 2010

2010-12-14T08:16:00.000-08:00

Why Sue Girl Talk rules in 2010

En diciembre prácticamente todos los sitios y blogs tienen algo que decir con respecto a lo mejor que nos dio el año que termina. En el caso de los interesados mayoritariamente en todas las cosas indie, puede parecer que todos tuvieran los mismas canciones en rotación en el iPod durante 365 días, y en cierta forma es verdad, pero igual todos siempre tenemos algo diferente que decir o mostrar detrás del amor universal por Animal Collective.
En fin, hubiera sido fácil hacer una lista de las 50 mejores canciones, incluso 100 con la enorme cantidad de buenos lanzamientos que hubo en el año. Sin embargo me pareció mejor hacer un Top 10 por dos razones. Primero por una cuestión de fidelidad hacia el formato del Top 10 que ya se volvió característico del sitio. Pero sobre todo porque es mucho más interesante leer una lista con una cierta justificación o explicación de las selecciones, y no simplemente una serie de canciones una después de otra sin la mínima reflexión de porque están ahí. Ésto lo hace no sólo mucho más interesante, pero también más digerible para el lector.
En el momento de compilar la lista, lo que más me sorprendió fueron la cantidad de canciones que me pareció que tenían el nivel para estar en el Top 10, fácilmente unas 30. Lo cual me hace sentir muy bien con el año musical que tuvimos en general y sobre todo con ésta lista.

10. Mount Kimbie - "Before I Move Off"
[Hotflush]

Es difícil entender como las dos personas detrás de Mount Kimbie son capaces de hacer una pieza tan extraña y enigmática como "Before I Move Off", tan rica de influencias que van de experimentación electro-acústica tipo Fennesz y manipulación vocal bailable tipo Bibio en "Fire Ant" para hacer algo que de verdad sea digno de llevar el nombre de "Intelligent Dance Music". Tal vez porque estábamos acostumbrados a que música así de inquietante siempre viniera de personalidades tan desconcertantes como Burial o Kode9 & the Spaceape y no dos tipos casi tan regulares como Mike Skinner.

9. The Morning Benders - "Promises"
[Rough Trade]

Me gustan mucho las guitarras, pero sobre todo cuando logran salir buenos riffs de ellas. Lo cual es raro para una banda como The Morning Benders que ganó mucha más atención por los arreglos y las progresiones de acordes lentas que les permitieron lograr su propia canción philspectoriana. Pero por más que me encante "Excuses", tengo que escoger "Promises" entre las dos primeras canciones del segundo álbum de la banda, no sólo porque es el mejor riff del año, pero también porque es una celebración del riff como frase musical, en como toda la canción se construye alrededor del riff, con el coro y todas las transiciones logran construir una enorme anticipación hacia ese maldito riff, y lo hacen tan absolutamente grandioso.

8. Kanye West - "All of the Lights"
[Def Jam / Roc-A-Fella]

Si hay algo que de verdad incompresible de algunas personas que escriben sobre música pop, es como cuando hay alguna canción con una especie de amor casi unánime, llegan a la conclusión que es una especie de canción pop universal a la cual todo mundo le rinde culto en conjunto cada vez que suena en un lugar. Personalmente, a mi nunca me gustó "Hey Ya!", es una canción que ni siquiera tiene hooks y con la cual apenas se puede bailar, nunca entendí que tenía de universal que no podría tener SpottieOttieDopalicious. Totalmente lo opuesto a "All of the Lights" es que está increíblemente repleta de buenos hooks: los arreglos orquestrales, el piano de Elton John, cada intervención de Rihanna hubieran sido suficientes para hacer una excelente canción pop. Eso es lo que pasa con Kanye (post-incidente-VMA Kanye ), cada canción en My Beautiful Dark Twisted Fantasy es como una colisión de todas las cosas que hacen a la música pop genial, y "All of the Lights" es la pieza central en el disco de la fuente inagotable de creatividad que es Kanye West. "All of the Lights" es tan buena que es lo más cerca que ha estado Kanye de una canción pop universal, o como les guste llamarlo.

7. Beach House - "Real Love"
[Sub Pop]

No sé que pensar de o con qué relacionar una banda como Beach House en el contexto de digamos, indie rock/pop en el 2010. Si uno va a last.fm verá que la primera banda catalogada como similar a Beach House es Best Coast. No sé que tan importante será el parecido del nombre para determinar la similaridad entre artistas en last.fm, pero es casi un insulto a Beach House recomendarle a alguien que escuche Best Coast si le gusta por ejemplo Teen Dream. Porque si tomamos "Real Love", aunque no dice mucho líricamente ("I met you" quien sabe cuantas veces), sí logra en toda la melancolía de ésas notas de piano, en esa guitarra suspirante, en la voz casi masculina de Victoria Legrand, o simplemente en su acercamiento sencillo y honesto y clásico hacia sus composiciones una trascendencia que ninguna banda indie/lo-fi estuvo cerca de alcanzar en 2010. Es fácil pensar que una estética lo-fi se utilice como referencia directa al pasado, pero el nuevo estilo de Beach House es una referencia mucho más interesante en su revitalización de la producción sofisticada y buenas vocales del sunshine pop.

6. James Blake - "Limit to Your Love"
[ATLAS]

A principio de año se oye hablar de un músico inglés llamado James Blake que está haciendo música electrónica, caracterizada principalmente por una importante manipulación de voces humanas, progresiones de jazz y soul y muchos samples de R&B, en algo muy cercano al dubstep excepto que no es realmente dubstep. Pero en octubre, James Blake lanza "Limit to Your Love" un cover de Feist que casi no tiene manipulación sobre vocales pero más bien su propia voz... cantando... de verdad. Cantando como canta Feist en la original, como si de verdad fuera una canción pop, excepto que no es precisamente una canción pop. Es un arreglo minimalista de acordes de piano y mid-tempo beats por un compositor electrónico que aparentemente tiene una voz muy linda, y tiene igual de éxito en sus música electrónica demencial como en un cover de Feist. Nada mal.

5. Sleigh Bells - "Rill Rill"
[N.E.E.T. / Mom & Pop]

No soy un fan de los samples obvios, y no me gustan para nada los mash-ups tipo Girl Talk (¡sorpresa!). Porque la mayoría de las veces es excesivamente fácil simplemente samplear un buen riff o una buena melodía y dar la impresión de que sucedió una especie de stroke of genius. Pero me he dado cuenta que la línea es muy delgada en lo que a samples se refiere, y en realidad tal vez no hay una razón en particular para celebrar "Bittersweet Symphony" o "Paper Planes" o "Rill Rill" en vez de cualquier basura que haga Girl Talk. Supongo que algunos samples, como los de Girl Talk, simplemente remiten al original de manera inevitable y no puedo pensar que su utilización haya desembocado en algo interesante, lo único que logra es recordarnos lo buena que es la original. Pero otros más bien parecen frescos en su nuevo contexto y se siente que hay una especie de independencia con el original, como si en la nueva canción se le hubiera encontrado un propósito diferente, tal vez hasta mejor.

4. Harlem - "Gay Human Bones"
[Matador]

De todos los pequeños artículos que conforman el Top 10, éste es el que escribí de último y de lejos el que más me costó. Y me doy cuenta que es porque ésta canción me hizo sentir vulnerable en cuanto a mis gustos musicales casi todo el año. En cierta forma me parecía normal tratar de evitar un disco llamado Hippies, además con esa portada y de un grupo que parecía ser otra banda hipster minimalista por excelencia, más preocupada en parecer salida de 1965 que del 2010. Pero "Gay Human Bones" fue una verdadera lección de humildad, de como una banda en apariencia regular y "trendy" es capaz de hacer una canción pop tan atemporal, con buenos riffs, un hook que patea traseros, letras desconcertantes y hasta un solo excelente que pasa casi desapercibido detrás de la línea de guitarra principal. Como si alguna vez se hubiera necesitado algo más para hacer una buena canción.

3. Gonjasufi - "Sheep"
[Warp]

A veces me gustan mucho las cosas que no tienen sentido. La primera vez que escuché "Sheep" fue una de ellas. ¿Qué sentido se le puede encontrar a la congregación de una guitarra acústica enterrada en algún 33 RPM de algún lugar extraño de la Tierra, una voz femenina que parece salida de Columbia Estéreo (los no-ticos no van a entender) y el único componente no pregrabado o sampleado (la voz de Gonjasufi) aquí en su versión más sucia y desgastada que puede haber? Supongo que es el tipo de cosas que salen de la cabeza del productor Gaslamp Killer. Como abandonar esa melodía sirénica por los gemidos de algún cantante hindú y su sitar, con Gonjasufi ilustrando esa oposición con algún un relato psuedo-poético y extraño de ovejas y leones, que ha llevado a interpretaciones diametralmente opuestas. Ese tipo de cosas.

2. Ariel Pink's Haunted Graffiti - "Round and Round"
[4AD]

Siempre ayuda mucho tener plata. Que lo diga Kanye West quien después de 3 éxitos masivos puede darse el lujo de hacer una ridícula oda al auto-tune o también el disco más aclamado del año junto con su propia película. Para Ariel Pink, el firmar con 4AD significó pasar de grabaciones caseras de mala calidad que podrían sonar en una estación vieja de los 80's, a grabaciones en estudio con una banda completa que podrían sonar en una estación vieja de los 80's. Porque Ariel Pink a pesar de las evoluciones que puedan tener él o su banda siempre va a estar trabajando alrededor de esa misma estética de "pop nostalgia" como alguien la caracterizó en Wikipedia. "Round and Round" es de lejos la canción más absorbente que haya hecho Ariel Pink, porque esa línea de bajo y ese "hook" son simplemente "pop nostalgia" como nunca se había escuchado.

1. Women - "Eyesore"
[Jagjaguwar]

La reseña de Public Strain en Cokemachineglow dice que "Eyesore" es la "B-Boy Bouillabaisse" del indie rock, estableciendo una de las paralelas más extrañas entre los mundos del indie y del hip-hop, como si uno se imaginara al mismo tipo de persona escuchando Public Strain y Paul's Boutique. Pero al mismo tiempo también es clara y precisamente lo que representa "Eyesore". Ahora es cierto que no tiene una estructura de collage entre diferentes partes que se sienten independientes la una de la otra, porque "Eyesore" si bien es (como lo es disco entero) una especie de yuxtaposición de sonidos que no tienen nada de nuevo ni original, no tiene ese sentido de independencia estricta entre las partes. Es todo en realidad más como una unión de todas éstas secciones distintas que lleva a algo más importante y revelatorio, como una especie de conjunto de sonidos apuntando a algo en específico en la historia del indie rock y transmitido a través de las guitarras de ésta banda canadiense, concluyendo con esa melodía que se apaga lentamente al final. Y es verdaderamente extraño que alguien logre hacer esto con guitarras, y en el 2010 cuando todo músico que logra densificar referencias musicales al pasado lo logra a través de un collage pop o como quieran llamarlo, más que una composición tradicional rock con sus vocales, guitarra y batería.

Suegirl mix #5: Yeezymix

2010-11-17T23:32:00.000-08:00

These beats deserve Hennessy, a bad bitch and a bag of weed. The Holy Trinity.

Anuncio/celebración/tributo por el lanzamiento del quinto álbum de Kanye West, My Beautiful Dark Twisted Fantasy por medio de un podcast repasando puntos altos de la carrera de Kanye.

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1. Jay-Z - "Heart of the City (Ain't No Love)" (prod. Kanye West)
(0:00 - 3:42)
de The Blueprint (Roc-A-Fella; 2001)

2. Talib Kweli - "Good to You" (prod. Kanye West)
(3:43 - 8:05)
de Quality (Rawkus; 2002)

3. Kanye West - "We Don't Care"
(8:06 - 12:07)
de The College Dropout (Roc-A-Fella; 2004)

4. Cam'ron (feat. Kanye West & Syleena) - "Down and Out" (prod. Kanye West)
(12:08 - 16:16)
de Purple Haze (Roc-A-Fella; 2004)

5. Common - "Be (Intro)" (prod. Kanye West)
(16:17 - 18:41)
de Be (GOOD Music/Geffen; 2005)

6. Kanye West (feat. Paul Wall & GLC) - "Drive Slow"
(18:42 - 23:13)
de Late Registration (Roc-A-Fella; 2005)

7. Kanye West - "Hey Mama"
(23:14 - 28:17)
de Late Registration (Roc-A-Fella; 2005)

8. The Game (feat. Kanye West) - "Wouldn't Get Far" (prod. Kanye West)
(28:18 - 32:28)
de Doctor's Advocate (Geffen; 2006)

9. Kanye West (feat. Dwele) - "Flashing Lights"
(32:29 - 36:26)
de Graduation (Roc-A-Fella; 2007)

10. Lil Wayne - "Let the Beat Build" (prod. Kanye West & Deezle)
(36:27 - 41:34)
de Tha Carter III (Cash Money; 2008)

11. Kid Cudi (feat. Kanye West & Common) - "Make Her Say" (prod. Kanye West)
(41:35 - 45:10)
de Man on the Moon: The End of the Day (GOOD Music; 2009)

12. Kanye West - "All of the Lights (Interlude)" / "All of the Lights"
(45:11 - 51:12)
de My Beautiful Dark Twisted Fantasy (Roc-A-Fella; 2010)

13. Kanye West - "Blame Game"
(51:13 - 59:01)
de My Beautiful Dark Twisted Fantasy (Roc-A-Fella; 2010)

14. Kanye West (feat. Pete Rock, Jay-Z, Charlie Wilson, Curtis Mayfield & Kid Cudi) - "The Joy"
(59:02 - 64:17)
de G.O.O.D. Fridays 10.29.10 (Self-released; 2010)

Suegirl mix #4: Noviembre 2010

2010-11-06T18:25:00.000-07:00

Whykanyesucksin2010

Eso

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1. Curren$y - "The Day" (feat. Jay Electronica & Mos Def)
(0:05 - 3:25)
de Pilot Talk (BluRoc; 2010)
myspace.com/flyspitta

2. Shad - "A Good Name"
(3:26 - 5:52)
de TSOL (Black Box; 2010)
myspace.com/shad

3. Greenhouse Effect - "Only You"
(5:19 - 10:48)
de Electric Purgatory Part Two (Weightless; 2010)
myspace.com/greenhousecrew

4. A.G. - "Infected"
(8:31 - 13:51)
de Everything's Berri (Fat Beats; 2010)
myspace.com/aggetdirty

5. Das Racist - "Rapping 2 U" (feat. Lakutis)
(13:52 - 18:28)
de Sit Down, Man (Mad Decent/Greedhead/Mishka; 2010)
myspace.com/dasracist

6. Velella Velella - "Black Stripe"
(18:29 - 22:08)
de Atlantis Massif (Self-released; 2010)
myspace.com/velellavelella

7. Matthew Dear - "Slowdance"
(22:09 - 26:28)
de Black City (Ghostly International; 2010)
myspace.com/matthewdear

8. Blue Hawaii - "Blue Gowns"
(21:37 - 29:39)
de Blooming Summer (Arbutus; 2010)
myspace.com/bluebluehawaii

9. Mount Kimbie - "Before I Move Off"
(29:40 - 33:47)
de Crooks & Lovers (Hotflush; 2010)
myspace.com/mountkimbie

10. James Blake - "Don't You Think I Do"
(33:48 - 36:51)
de Klavierwerke (R&S; 2010)
myspace.com/jamesblakeproduction

11. Salem - "Trapdoor"
(36:52 - 41:21)
de King Night (IAMSOUND; 2010)
myspace.com/s4lem

12. Freddie Gibbs - "National Anthem (Fuck the World)"
(41:22 - 45:08)
de Str8 Killa (Decon; 2010)
myspace.com/freddiegibbs

13. Black Milk - "Acomódate en el Suelo" (feat. Royce Da 5'9" & Elzhi)
(45:09 - 48:46)
de Album of the Year (Fat Beats; 2010)
myspace.com/blackmk

14. Kanye West - "The Joy" (feat. Pete Rock, Jay-Z, Charlie Wilson, Curtis Mayfield & Kid Cudi)
(48:47 - 54:00)
(Self-released; 2010)
kanyewest.com

Suegirl mix #3: Hispanomix

2010-10-11T21:53:00.000-07:00

El Guincho... Not. Delorean... Not.

Selección de nuestros favoritos recientes de España e Hispanoamérica.
Gracias a todos los artistas y disqueras involucrados por autorizarnos a utilizar su material. Y felicidades a Las Robertas por el lanzamiento mundial de Cry Out Loud a través de Art Fag Recordings.

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1. Margarita - "Crudo y Crema"
(0:08 - 2:11)
de Explota el Cuerpo (BCore; 2010)
myspace.com/margaritaband

2. Banda de Turistas - "Días de Prosperidad"
(2:12 - 5:18)
de El Retorno (WM Mexico; 2009)
myspace.com/bandadeturistas

3. Los Punsetes - "Tus Amigos"
(5:19 - 8:30)
de LP2 (Gramaciones Grabofónicas; 2010)
myspace.com/lospunsetes

4. Chikita Violenta - "All I Need's a Little More"
(8:31 - 11:48)
de TRE3S (Arts&Crafts; 2010)
myspace.com/chikitaviolentaband

5. Aias - "Vine Amb Mi"
(11:49 - 14:43)
de A La Piscina (Captured Tracks; 2010)
myspace.com/lasaias

6. Detectives Salvajes - "Poraiandan"
(14:44 - 19:02)
de Cairos Papasquiaro (Self-released; 2009)
myspace.com/detectivessalvajescr

7. Las Robertas - "Back to the End"
(19:03 - 21:36)
de Cry Out Loud (Art Fag; 2010)
myspace.com/lasrobertas

8. Superaquello - "Flor Es Ser"
(21:37 - 24:37)
de La Tarde (Atrum Orbis; 2009)
myspace.com/superaquello

9. Dadalú - "Gracias"
(24:38 - 28:04)
de Período (Michita Rex; 2010)
myspace.com/dadalu

10. Anita Tijoux - "Partir de Cero"
(28:05 - 31:47)
de 1977 (Nacional Records; 2010)
myspace.com/anitatijoux

11. De Juepuchas - "Domingo en la Mañana" / "La Condición Humana"
(31:48 - 34:26)
de Ser De Juepuchas Varios Años (Self-released; 2009)
myspace.com/juepucha

12. Maifersoni - "Ñuble" / "Nómade"
(34:27 - 39:00)
de Telar Deslizante (Michita Rex; 2010)
myspace.com/maifersoni

13. El Sueño de la Casa Propia - "Acomódate en el Suelo"
(39:01 - 42:57)
de Historia de Caídas (Pueblo Nuevo; 2010)
myspace.com/delacasapropia

14. Algodón Egipcio - "El Ingenio Humano"
(42:58 - 46:24)
(Self-released; 2010)
myspace.com/algodonegipcio

Suegirl mix #2: 2000shiphopmix

2010-08-28T19:16:00.000-07:00

Got beats?

Selección de nuestros favoritos de hip-hop de los 00's.
Mixtape para hacer afiches también.

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1. Ghostface Killah - "Intro" / "Nutmeg" (feat. RZA)
(0:00 - 5:09)
de Supreme Clientele (Epic; 2000)

2. J Dilla - "The New" / "The Diff'rence"
(5:10 - 7:51)
de Donuts (Stones Throw; 2006)

3. RJD2 - "Good Times Roll Pt. 2"
(7:52 - 12:37)
de Deadringer (Definitive Jux; 2002)

4. Viktor Vaughn - "Saliva"
(12:38 - 15:06)
de Vaudeville Villain (Sound Ink; 2003)

5. Missy Elliott - "Back in the Day" (feat. Jay-Z)
(15:07 - 20:38)
de Under Construction (Goldmind/Elektra; 2002)

6. MF DOOM - "Poo-Putt Platter"
(20:39 - 21:52)
de Mm.. Food (Rhymesayers Entertainment; 2004)

7. King Geedorah - "Fazers"
(21:53 - 25:07)
de Take Me to Your Leader (Big Dada; 2003)

8. Cannibal Ox - "Ox Out the Cage" (feat. El-P)
(25:08 - 28:32)
de The Cold Vein (Definitive Jux; 2001)

9. El-P - "Tuned Mass Damper"
(28:33 - 32:36)
de Fantastic Damage (Definitive Jux; 2002)

10. Prefuse 73 - "Busy Signal (Make You Go Bombing Mix)" (co-prod. Daedelus)
(32:37 - 35:15)
de One Word Extinguisher (Warp; 2003)

11. Binary Star - "Reality Check"
(35:16 - 39:15)
de Masters of the Universe (Subterraneous Records; 2000)

12. Erykah Badu - "Twinkle"
(39:16 - 46:12)
de New Amerykah Part One (4th World War) (Universal Motown; 2008)

13. cLOUDDEAD - "Apt. A (2)"
(46:13 - 49:13)
de cLOUDDEAD (Mush; 2001)

14. Madvillain - "Supervillain Theme" / "ALL CAPS"
(49:14 - 52:18)
de Madvillainy (Stones Throw; 2004)

15. Black Milk - "Give the Drummer Sum"
(52:19 - 56:08)
de Tronic (Fat Beats; 2008)

16. Pharoahe Monch - "Push"
(56:09 - 59:02)
de Desire (Street Records Corporation; 2007)

17. Edan - "Polite Meeting (Intro)" / "Funky Voltron" (feat. Insight)
(59:03 - 63:33)
de Beauty and the Beat (Lewis Recordings; 2005)

18. Missy Elliott - "Can You Hear Me"
(63:34 - 64:53)
de Under Construction (Goldmind/Elektra; 2002)

19. J Dilla - "Donuts (Intro)"
(64:54 - 66:01)
de Donuts (Stones Throw; 2006)

- Pierre Lestruhaut

Arcade Fire vs. Sufjan Stevens

2010-08-20T20:21:00.000-07:00

Why indie sucks in 2010 (Parte 2)

Ustedes saben como de vez en cuando aparece algún trabajo musical que es imposible para toda una comunidad ignorar, y el cual entonces más bien genera una cadena inagotable de comentarios y reacciones hasta el punto que se vuelve casi frustrante pensar en él. Así ha sido más o menos para mí la salida del tercer álbum de Arcade Fire, con su alta expectativa por el retorno de la banda, su serie de conciertos suburbanos, sus ocho portadas diferentes, su "universal acclaim", su webcast desde el Madison Square Garden, sus desmesuradas apreciaciones sobre salvar al rock, su headlining en Lollapalooza y por supuesto........ su aparición como álbum #1 en Billboard. Así es, con 3 años de espera y meses anticipando la salida del disco, los canadienses logran la increíble tarea de colocar al indie rock en la cima de la música popular estadounidense, ahí entre Eminem y Avenged Sevenfold, todo ésto debido por supuesto a una excelente utilización de los medios de promoción masiva que tienen a disposición y que mencionábamos antes. Incluso no es nada que no había alcanzado Vampire Weekend en enero con una buena serie de apariciones en televisión nacional, y hasta The National y LCD Soundsystem se han logrado colar en el Top 10.
Entonces, para éste género o por lo menos concepto o idea de hacer música que se ha popularizado tanto ¿Adónde quedó aquel Sufjan Stevens con sus hiper-ambiciosos proyectos de hacer un álbum por cada estado americano, su deseo de justamente de llegarle a un público masivo, pero también su frustración y crisis creativa por la poca importancia que ha llegado a tener, en un contexto de descargas de música masivas y banales, el hecho de sacar un disco? Pues según descubrimos esta mañana, Sufjan Stevens habría elegido su lugar en este 2010, en el lanzamiento sorpresivo y de la nada de un EP de 60 minutos (encuéntrenle la lógica a eso) que se puede escuchar gratis en el bandcamp del artista y descargar por la suma de 5 dólares. Así es, Sufjan Stevens no parece querer pertenecer ahí arriba con los dioses del indie que dominan los charts, pero más bien en la plataforma de promoción de música digital, junto con aquellos artistas sin suficiente exposición al público que se ven obligados a colgarse del ideal DIY de éste sitio para intentar ganar popularidad. Y dicho sea de paso, es la plataforma de promoción que utilizan muchos de nuestros músicos ticos que no tienen la posiblidad de firmar con disquera alguna. Entonces sí, el hombre que hace un año cuestionaba toda la idea de seguir haciendo música está de vuelta, y parece haber encontrado su lugar en..... bandcamp. Digiramos eso un momento.
Y ahora entremos en un pequeño análisis musical y conceptual de lo que son éstos recientes lanzamientos. El The Suburbs ve el abandono de aquellos arreglos multiinstrumentalistas de contrapuntos energéticos y estructuras complejas de los anteriores discos de Arcade Fire, para dar lugar a grabaciones mucho más relajadas con mayor espacio para la reflexión y un "songwriting" mucho más clásico. Así como toda la metáfora sobre el retorno a los suburbios que rodea éste álbum es una declaración de nostalgia, humildad, abandono de los sueños de antaño, cuando ésta banda nos tenía acostumbrados a temas mucho más elementales de muerte, catástrofe, depresión, hasta alguno que otro sutil mensaje político. Y del otro lado, está Sufjan Stevens llevando su música cada vez más hacia lugares inexplorados. Juntando sus ambiciosas composiciones acústicas y excesivos arreglos orquestrales con sonidos de música electrónica experimental y conglomerados instrumentales más inspirados en el free jazz que otra cosa. Y por supuesto titulando su EP All Delighted People, con sus lamentos distópicos de "And what difference does it make, If the world is a mess", frente al modesto ideal de The Suburbs. Eso para un discreto lanzamiento sin promoción alguna, hasta ahora sin formato físico y que sólo se encuentra en internet. Cuando los que dominan el mundo de la música ahora sólo tienen interés en retratar el conformismo suburbano en el que han caído.
Por supuesto que todo ésto no es ni bueno ni malo, simplemente es lo que es. Ambos discos son de muy buena calidad, sin tampoco llegar a alcanzar la trascendencia que tuvieron musicalmente Funeral (2004) y Illinois (2005) en nuestro pequeño mundo del indie rock. Pero igual es interesante ver como las grandes personalidades de éste género son capaces de abordar sus lanzamientos de formas casi totalmente opuestas, logrando así alcanzar una importancia notable en el panorama socio-cultural de la música en el 2010.

- Pierre Lestruhaut

Gigview: Vivian Girls, Jens Lekman

2010-08-19T14:58:00.000-07:00

Why indie sucks in 2010

Debería empezar el “Gigview” sobre las presentaciones de Vivian Girls, Jens Lekman, The Blow y un grupo francés poco relevante en el marco del Colors Music Estival en el Nouveau Casino de París con una muy pequeña y banal interrogante. ¿Cuál es el futuro de la música? No, mejor algo mucho más insignificante que eso ¿Cuál es el futuro de la música rock/pop? No, mejor algo que sea verdaderamente intrascendente y que sólo le importe a aburridos y solitarios bloggers ¿Cuál es el futuro del indie rock/pop?
En ésta de serie de conciertos en la calle Oberkampf, estaban presentes primero la girl-band de Brooklyn que para cualquiera que las conozca sabe que va a asistir a un show donde se está reviviendo el DIY ethos de finales de los 70’s, la distorsión y efectos de pedal de los 80’s y el sonido general del lo-fi de los 90’s. Llevemos la cuenta: Pasado 1, Futuro 0. Después pudimos ver a Jens Lekman especie de singer-songwriter sueco con líricas románticas y melancólicas ancladas en el twee pop de los 80’s/90’s, melodías de guitarra inspiradas del pop de los 60’s y por supuesto el enorme uso de samples principalmente de arreglos orquestrales que se encontró en algún LP de algún artista pop de los 60’s. Pasado 2, Futuro 0. Y si se revisa el resto de las bandas que participaron en el Estival y que no pudimos ver, vamos a encontrar a Gonjasufi, The Strange Boys, Girls, Au Revoir Simone y Tame Impala que entre todos juntos probablemente no dejan botado ningún género o movimiento pasado relacionado con la música indie. Pasado 3, Futuro 0.
Es cierto, hasta ahora no he hecho parecer a Vivian Girls y Jens Lekman como actos interesantes, pero bueno ésa es la dura tarea de el que elige hacer una reseña sobre música no-experimental. Y el atractivo de éstos dos proyectos tampoco está en el hecho de que entre tanta referencia al pasado uno tiene que llegar a la sencilla conclusión de que la música de antes era mucho mejor o que en el mundo del indie rock ya no hay nadie con creatividad para dar impresión alguna de que hay evolución con mira hacia adelante en el género y que entonces todos debemos quedarnos en una profunda admiración por el pasado.
Si bien Vivian Girls, en su disposición de trío de rock con canciones simples, sus pavas a lo 60’s pop y su vestimenta punk, hace un excelente trabajo de retomar, quebrar y juntar aquellos detalles interesantes de la música del pasado, también logran en el contexto del indie rock de cambio de década no sólo probablemente influenciar a algunos de los más obvios y uniformes revividores del indie rock, pero también separarse de ellos y de la uni-dimensionalidad de muchos de los “movimientos” inventados en los últimos años. Ya sea shitgaze, chillwave, blisswave o cualquier otro término ridículo que se vaya a inventar en los años a venir, siempre da la impresión que las Vivian Girls están muy por encima de todo eso, aún más cuando las presentaciones en vivo de la banda parecen ir evolucionando de manera interesante, en cuanto hay un mayor abandono de las estructuras simples en las canciones por una mayor libertad principalmente para la guitarrista Cassie. Tampoco es que toda banda tenga que mostrar una evolución necesaria en su sonido, a veces mantener una constancia en el nivel de las canciones es más que suficiente, pero siempre es bueno ver a algún proyecto tomar ciertos riesgos.
Algo que probablemente Jens Lekman no hace ni tampoco se molesta en reconocer como lo había hecho en su blog citando a Jonathan Richman luego de la salida de Night Falls Over Kortedala: “So if you liked that, you'll love this”. A pesar de ello, Jens Lekman ha creado en su carrera un sonido que le es verdaderamente único, un sonido que trasciende las épocas y que suena atemporal, por más cliché y gastada que esté la idea de la atemporalidad. Pero cuando uno se mantiene estrechamente unido a un concepto, uno puede llegar al punto de desafiar a la categorización. Porque Jens logra montar un concierto en donde lo acompañan siete otros músicos y en donde es capaz de recrear su viaje melódico por el pop orquestral de antes ya sea con la ayuda de samples en una laptop, de las multiinstrumentalistas que lo acompañan o simplemente por sí solo con una guitarra y la ayuda del público. Todavía no me he encontrado con alguien que sea capaz de reconextualizar de una forma tan directa a través del uso de los samples, música del pasado en el marco del ya mencionado indie rock/pop del nuevo milenio.
O alguna banda de chicas que a los dos años de su debut ya se siente como una banda veterana. O cualquiera de las demás bandas en el Colors Music Estival que también han logrado a su manera y con resultados variados apropiarse de un sonido, de una idea, de un concepto que los hace únicos, aún en éstos tiempos en donde se siente que casi todo se ha inventado.

- Pierre Lestruhaut

Top 10: Escenas musicales de películas (2000-2009)

2010-08-19T09:25:00.000-07:00

No es ningún misterio el papel preponderante que llega a jugar la música en las películas, y el impacto que puede tener en una escena ya sea con la utilización de música como fondo o como parte de la acción. Ésto, al punto que no sólo hay músicos reconocidos por sus composiciones hechas expresamente para alguna o varias películas, sino que también hay directores que se caracterizan por saber utilizar muy bien éste recurso en sus trabajos. Nos dimos entonces la tarea de recordar nuestras escenas musicales preferidas, limitándonos al período 2000-2009 por ser la época en la cual tenemos un conocimiento cinematográfico relativamente bueno, lo cual nos permitió compilar una lista con la cual estamos muy satisfechos.

10. A Prairie Home Companion - "My Minnesota Home"
(Robert Altman, 2006)

No se sabe si Robert Altman tenía previsto que A Prairie Home Companion fuera su última película. El legendario director murió en noviembre del 2006, apenas seis meses después del estreno. La película, protagonizada por un elenco de primer nivel, al buen estilo altmaniano, retraza la última difusión de un viejo programa de radio en Minnesota. Una obra nostálgica y melancólica, llena de interpretaciones de viejos clásicos de la música tradicional estadounidense, como la “My Minnesota Home” de Meryl Streep y Lily Tomlin. En la secuencia podemos ver lo que acontece tras bastidores, con el ángel interpretado por Virginia Madsen que viene a acompañar a uno de los personajes al más allá. Un perfecto canto del cisne para un gran director.

9. Tropical Malady - "Kumnaijai"
(Apichatpong Weerasethakul, 2004)

Si se pudiera definir con una palabra gran parte del cine asiático, que tuvo éxito en festivales y revistas en los últimos años, sería sutileza. Con sólo ésta escena, "Joe" es capaz de pintar un retrato de su tierra, que va de la ciudad y sus conflictos, a la selva y sus misterios, todo envuelto por el sonido de algún cantante pop tailandés.

8. O Brother, Where Art Thou? - "I Am a Man of Constant Sorrow"
(Joel Coen & Ethan Coen, 2000)

Los personajes creados por ésta pareja de hermanos directores siempre se han caracterizado por tener una personalidad particular y un poco excéntrica. Y a pesar de que el bluegrass no tenga mucho interés más que para los votantes de los Grammy Awards, los Coen supieron como utilizar perfectamente esta música para retratar la locura de sus protagonistas. Mucho mejor ésto que ver a Robert Plant & Alison Krauss.

7. Almost Famous - "Tiny Dancer"
(Cameron Crowe, 2000)

Con todo lo que se haya podido hablar sobre el poder de la música para unir a los seres humanos, probablemente las imágenes en el bus de la gira de Stillwater valen más que cualquier discurso que se pueda hacer sobre ello.

6. Vals Im Bashir - "Beirut"
(Ari Folman, 2008)

Para una película que se puede definir como un documental animado israelí sobre un antiguo combatiente que intenta recuperar sus recuerdos de lo sucedido en la guerra del Líbano, ésta sigue siendo sorprendente como con cada minuto que pasa. Ari Folman no deja de maravillar convirtiendo su documental en un excelente ejercicio de estilo visual, y nos ofrece algunas de las imágenes de guerra más impactantes que se hayan visto. Incluso cuando aquel soldado utiliza su arma como una guitarra, uno no se imagina lo que va a seguir.

5. Death Proof - "Down in Mexico"
(Quentin Tarantino, 2007)

En los últimos años, probablemente no ha habido director que le haya dado un rol tan importante a la música como lo ha hecho Quentin Tarantino, al punto que los soundtracks de sus películas por lo general se convierten en discos para coleccionar. Pero de todas las escenas que pudimos escoger, el lapdance de Butterfly en Death Proof era la indicada no sólo porque la música hacía parte de la acción, sino también porque es única en cuanto Taratino abandona por un momento la violencia que hace característico a su cine y da un lugar preponderante a la sensualidad y a los personajes femeninos que vinieron a dominar sus últimos trabajos.

4. Last Days - "That Day"
(Gus Van Sant, 2005)

Otro director que se caracteriza por su forma de utilizar la música, Gus Van Sant y su trilogía de la muerte contienen un pequeño número de fascinantes escenas de una sola toma acompañadas con música. Ya sea la escena de apertura de Gerry, o la que nos muestra el cuarto de los asesinos en Elephant o ésta que elegimos de Last Days en donde el personaje se lanza en una improvisación musical, todas responden a uno de los temas esenciales de la trilogía: la alienación (física, social y mental respectivamente).

3. Y Tu Mamá También - "Si No Te Hubieras Ido"
(Alfonso Cuarón, 2001)

Las películas de Cuarón, por lo menos las menos comerciales, se caracterizan por no utilizar música de fondo en ningún momento. Sin embargo, en su estupenda Y Tu Mamá También, nos regala una escena en donde deja que Maribel Verdú encienda la "jukebox", nos mire y contrariamente al lapdance que vimos más arriba, baile para nosotros. Quien hubiera imaginado que alguien sería capaz de convertir la música de Marco Antonio Solís en algo tan sexy y al mismo tiempo "artsy".

2. Punch-Drunk Love - "He Needs Me"
(Paul Thomas Anderson, 2002)

Paul Thomas Anderson, director de Punch-Drunk Love, siempre ha sabido “robar” ideas (o canciones…) de sus cineastas preferidos y dar la impresión de que salen únicamente de su cabeza. Tenemos aquí una larga secuencia al ritmo de una canción interpretada por la actriz Shelley Duvall (en el papel de Olive Oil) y tomada de la película Popeye de Robert Altman, principal influencia cinematográfica de P.T. Anderson. La secuencia es principalmente cómica, pero existe también una tensión que crece conforme el personaje de Adam Sandler se va acercando a su punto de llegada. El encuentro y el beso que concluyen la secuencia son el momento más memorable de una de las mejores comedias románticas de la década.

1. Mulholland Drive - "Llorando"
(David Lynch, 2001)

Nos encontramos de nuevo con David Lynch, que ya había aparecido en el Top 10 de escenas musicales en series de televisión. Curiosamente, Mulholland Drive era inicialmente el episodio piloto de una serie que fue rechazada por la cadena ABC. Lynch decidió retomar el guión y agregarle dieciocho páginas. No se sabe si la secuencia de “Llorando” estaba ya en el piloto de televisión, pero se trata de un momento clave en la trama, la transición entre los dos mundos de Mulholland Drive, entre el sueño y la realidad, entre la muerte y la vida, como prefieran interpretarlo. La canción, un cover de la balada “Crying” de Roy Orbison, revela también el drama y la traición que se encuentran en el centro de la relación entre los personajes interpretados por Naomi Watts y Laura Elena Harring. Como lo dijo el propio Lynch de manera muy sencilla, Mulholland Drive es "una historia de amor en la ciudad de los sueños".

- Pierre & Manuel Lestruhaut

Top 10: Escenas musicales en series televisivas (1990-2009)

2010-07-24T08:03:00.000-07:00

O también: Grandes Escenas de Ricky Gervais

Continuando nuestra pequeña serie de "Top Tens", hacemos tributo a otro de nuestros pasatiempos favoritos: las series de tele. Sin embargo, como éste es un blog dedicado a la música y que, además, hacer una lista de mejores series o episodios es algo excesivamente ambicioso, nos dimos a la tarea de recordar nuestras escenas musicales favoritas. Por supuesto como nosotros sí nacimos ayer, decidimos entonces limitar la lista al periodo de 1990-2009, y por razones prácticas solamente elegimos escenas con canciones y no piezas instrumentales.
Algunas disputas con el copyright impidieron tener ciertas escenas como nos hubiera gustado. Ustedes verán una que otra en versión no original o en una versión editada por un usuario de YouTube.

10. South Park - "Gay Fish"
(Episodio: Fishsticks)

Para cualquiera que esté familiarizado con South Park, sabe lo común que es ver a una personalidad pública totalmente ridiculizada, y por supuesto que un rapero egocéntrico y conocido por sus exabruptos no podía escapar a ello. La escena final del episodio es además una enorme parodia de las recientes tendenias creativas de Kanye West, como el excesivo uso del auto-tune o su intento de hacer de éste el nuevo look del hip-hop. Nótese también que el episodio salió al aire mucho antes de su intervención en los VMA durante el discurso de Taylor Swift.

9. Saturday Night Live - "Motherlover"
(Episodio: Host: Justin Timberlake)

La llegada de Andy Samberg, miembro del grupo de parodias musicales The Lonely Island, al elenco de SNL ha dado lugar a algunos de los sketches más excéntricos y ridículos que se hayan visto en el programa, pero ninguno lo ha sido tanto como los videos musicales que ha realizado con Justin Timberlake, como "Dick in a Box" pero sobre todo nuestro favorito "Motherlover". Pocas veces se ve una popstar con tanto sentido del humor.

Mother Lover (Uncensored) - watch more funny videos

8. Flight of the Conchords - "Business Time"
(Episodio: Sally Returns)

Una serie transmitida en HBO y creada por un dúo de comedia y música neo-zelandés, es algo difícil de ignorar en éste Top 10. De la infinidad de escenas musicales que produjeron, "Business Time" es definitivamente la que más nos hizo reír, guardando siempre el estilo de burla hacia ellos mismos que caracterizó a los creadores/personajes de la serie en sus dos temporadas.

7. The Office - "Free Love Freeway"
(Episodio: Episode Four, Series One)

Escribir una buena mala canción puede requerir más talento que escribir una buena canción.

6. Twin Peaks - "The World Spins"
(Episodio: Episode 2007)

Con tan sólo 29 episodios, Twin Peaks (1990-1991) cambió la historia de la televisión. La serie le mostró a todo el mundo que la TV puede también ser un medio para que grandes artistas como David Lynch pongan en práctica su visión. El cine de Lynch ha sabido siempre utilizar canciones para crear escenas memorables (es el caso de “In Dreams” en Blue Velvet, “ Love Me Tender” en Wild at Heart y “Llorando” en Mulholland Drive). Aquí tenemos a Julee Cruise interpretando “The World Spins” en una taberna de Twin Peaks. Lo que no vemos en el video es que, unos minutos antes, viene de acontecer una tragedia muy similar a la que inicia la serie. Los personajes no lo saben, pero lo intuyen… "It is happening again". El mundo gira, todo vuelve a ocurrir.

5. Extras - "Little Fat Man"
(Episodio: David Bowie)

Con Ricky Gervais nunca se sabe a que punto se puede llegar con tal de humillar y ridiculizar a su propio personaje. Esta escena además tiene el interés añadido de que le dejó el trabajo a alguien más. Ya pueden ver a quién.

4. The Simpsons - "Dr. Zaius"
(Episodio: A Fish Called Selma)

Para una serie animada que contiene tantas escenas musicales como para tener su propio Top 20, y que tiene detrás de ella a toda una generación que creció con éstos personajes amarillos, la elección de la escena (o escenas) que tenía que entrar en ésta lista no fue sencilla. Pero para todos los que recuerdan el episodio A Fish Called Selma y la canción "Rock Me Amadeus" es imposible no reconocer que hay cosas que solo ésta serie podía hacer.

3. The Office - "If You Don't Know Me by Now"
(Episodio: The Office Christmas Special)

"To explain the joke is to ruin the joke. If you don't know David Brent by now, you will never never never know him." (Stephen M. Deusner, Pitchfork Staff Lists: 100 Awesome Music Videos, 2006)

2. Breaking Bad - "Negro y Azul"
(Episodio: Negro y Azul)

De una serie cuya temática es la de un profesor de secundaria que se une a uno de sus exalumnos en la manufactura y venta de metanfetaminas se pueden esperar muchas cosas. Sin embargo, comenzar un episodio con la canción de un grupo aparentemente llamado Los Cuates de Sinaloa no era una de ellas.

1. Flight of the Conchords - "Carol Brown"
(Episodio: Unnatural Love)

Para un blog principalmente interesado en el indie rock/pop, escoger una escena de la ya mencionada Flight of the Conchords, y además contenida en un episodio dirigido por Michel Gondry, es probablemente la elección de primer lugar más obvia que se podía hacer. En nuestra defensa, hay que señalar entonces que no sólo es ésta la canción más disfrutable (dejando de lado el humor que contienen todas) que escribieron Bret y Jemaine, pero también es irresistible la mezcla del humor puramente Flight of the Conchords con el estilo visual único de Michel Gondry.

- Pierre & Manuel Lestruhaut

Top 10: Canciones de fútbol

2010-07-17T06:54:00.000-07:00

Mención especial para el sonido ambiente de cualquier partido de Sudáfrica 2010

El Mundial de Sudáfrica 2010 tuvo lugar éstas últimas semanas, constantemente acompañado por el sonido de las canciones de Shakira y de David Bisbal, quienes hicieron honor a la tradición de las siempre irritantes canciones de Copa del Mundo. Pero también por el sonido de las vuvuzelas, que no permitieron por un solo segundo escuchar el mínimo cántico por parte de las barras presentes en los estadios.
Sin embargo, el fútbol y la música siempre guardan campo para alguna que otra sorpresa y es que en medio de canciones oficiales, himnos de clubes, tributos a jugadores, parodias o simplemente el deseo de expresar la admiración por el juego, pudimos encontrar 10 canciones las cuales escogimos no porque sean las mejores, pero porque son las 10 que más nos gusta escuchar, por más ridículas que puedan ser algunas.

10. Mano Negra - "Santa Maradona"

El fútbol no sería lo que es hoy, si no fuera por la pasión y euforia que es capaz de transmitir a un hincha a lo largo de 90 minutos. Y es que no hay nadie que haya capturado tales sentimientos mejor que la banda de Manu Chao en "Santa Maradona", que por su título parecería ser otro tributo a aquel jugador, sin embargo asistimos a 3 minutos de adrenalina pura.

9. "Wayne Rooney"

Siempre es muy común, entre los fanáticos, dedicarle canciones a sus ídolos retomando la melodía de alguna canción popular, pero definitivamente la versión de "Let it Be" modificada para Wayne Rooney es nuestra favorita. Pero por favor que nadie le enseñe ésto a Paul McCartney.

8. El Chivi - "Fútbol"

Cualquiera que haya escuchado al Chivi sabe qué se puede esperar de una de sus canciones, y más allá de la aversión que se pueda tener por sus letras, la combinación de su estilo de pornoautor con referencias futbolísticas nos ha dado mucho de que reír.

7. Baddiel & Skinner & Lightning Seeds - "Three Lions"

La importancia de "Three Lions", himno de la selección inglesa para su Euro '96, es tal que alcanzó el #1 en la lista de singles del país, no solo en su versión original pero también dos años después cuando fue reescrita para el Mundial del '98. Además de ello, es de los pocos himnos que no se interesan en glorificar constantemente el pasado del equipo, pero más bien torna la atención hacia los fracasos y decepciones de los últimos años. Para colmo, los miembros de la selección alemana la corearon en su celebración en Alemania luego de ganar la Euro llevada a cabo en Inglaterra.

6. Jorge Ben - "Fio Maravilha"

"Fio Maravilha" cuenta la historia de Joao Batista de Sales, quien en un partido amistoso Flamengo-Benfica ingresó de sustituto para anotar un gol para su equipo, partido al cual asistió el cantante Jorge Ben. Éste nos da entonces el tributo más sencillo y humilde que se le puede dar a un futbolista, casi tan humilde como el jugador, el partido y su forma de anotar.

5. Cauet - "Zidane y va marquer" // La Plage - "Coup de Boule"

La aventura de la selección francesa en el Mundial 2006 estuvo más que documentada en éstas dos sensaciones de la era YouTube. Primero con "Zidane y va marquer", canción alentadora previo a la copa, y luego "Coup de Boule" parioda de la primera posterior a la final perdida por Francia. Si bien ambas se encuentran repletas de referencias humorísticas sobre eventos ocurridos en la selección, también son emblemáticas de la difusión que se le dan a este tipo de canciones en nuestra era.

4. Los Ratones Paranoicos - "Para Siempre" // Andrés Calamaro - "Maradona"

Ningún jugador habrá tenido tantos tributos musicales como los ha tenido Diego Maradona, no sólo en la cantidad pero también en la magnitud ridícula y sobredimensionada de algunas de las frases que le son dedicadas ("Es verdad que el Diego es lo más grande que hay. Es nuestra religión, nuestra identidad", "Es un ángel y se le ven las alas herídas. Es la biblia junto al calefón" o la cálida "Maradona es mi amigo y es una gran persona").

3. New Order - "World in Motion"

New Order tuvo que esperar hasta "World in Motion", la canción oficial de la selección inglesa para Italia '90, para alcanzar el # 1 en el Reino Unido pero curiosamente éste también fue el último sencillo que sacaron con la mítica Factory Records. Talvez el tener al futbolista John Barnes rapeando por 30 segundos les hizo pensar que Factory no era el lugar correcto para los miembros de la banda que solía conocerse como Joy Division aunque según dicen, John Barnes habría superado en una audición a la dura competencia de Peter Beardsley y Chris Waddle.

2. Gerry & the Pacemakers - "You'll Never Walk Alone"

Les presentamos aquí dos versiones de la canción. La primera fue grabada por Gerry and The Pacemakers en 1963 y alcanzó el puesto #1 en Gran Bretaña. La segunda es interpretada por los fans del Liverpool antes de un partido de la Champions League contra Chelsea en 2007.
La yuxtaposición de ambas versiones nos muestra cómo una canción que nada tiene que con fútbol ha llegado a convertirse en un himno solemne, una declaración de amor y fidelidad a un club que, en gran parte gracias a sus seguidores, ha llegado a convertirse en uno de los más grandes de la historia. Si las imágenes de YouTube son ya espectaculares, imagínense cómo será en el estadio…

1. Marcelo D2 - "Sou Ronaldo"

Hay tantas cosas en "Sou Ronaldo" que la hacen única en medio de todas las canciones de fútbol que escuchamos. Ya sea el estilo monótono y sin energía de Marcelo D2, el incesante grito de público cada vez que termina un verso y cada vez que se escucha "Eu sou Ronaldo", el hecho de que éste rapeada en primera persona en la forma auto-glorificadora del hip-hop norteamericano o el look del rapero brasileño en ésta versión. Pero talvez simplemente es la que más nos gusta por como a veces parece difícil distinguir si es un tributo o una parodia.

- Pierre & Manuel Lestruhaut

Suegirl mix #1: Verano norteamericano

2010-07-12T11:22:00.000-07:00

Verano norteamericano

Pequeña selección de 15 canciones de bandas norteamericanas (talvez no todas...), para empezar bien el verano (norteamericano).

DESCARGAR PODCAST

1. Wolf Parade - "Oh You, Old Thing"
(0:00 - 5:45)
de Expo 86 (Sub Pop; 2010)
myspace.com/wolfparade

2. Arcade Fire – "The Suburbs"
(5:46 - 10:58)
de The Suburbs (Merge; 2010)
disponible el 02/08
myspace.com/arcadefireofficial

3. The Walkmen - "Stranded"
(10:59 - 15:20)
de Lisbon (Fat Possum; 2010)
disponible el 14/09
myspace.com/thewalkmen

4. Ariel Pink's Haunted Graffiti – "Menopause Man"
(15:21 - 19:24)
de Before Today (4AD; 2010)
myspace.com/arielpink

5. Wavves – "Take on the World"
(19:25 - 22:05)
de King of the Beach (Fat Possum; 2010)
myspace.com/wavves

6. Avi Buffalo – "What’s in it For?"
(22:06 - 27:11)
de Avi Buffalo (Sub Pop; 2010)
myspace.com/avibuffalo

7. Best Coast - "Boyfriend"
(27:12 - 29:39)
de Crazy for You (Mexican Summer; 2010)
disponible el 27/07
myspace.com/bestycoasty

8. Spectrals – "Suit Yourself"
(29:40 - 31:46)
de Spectrals 7" (Captured Tracks; 2009)
myspace.com/spectralspectral

9. Grass Widow - "Shadow"
(31:47 - 34:42)
de Past Time (Kill Rock Stars; 2010)
disponible el 24/08
myspace.com/grasswidowmusic

10. Friendo – "Callers"
(34:43 - 40:19)
de Cold Toads (Self-released; 2010)
myspace.com/friendomusic

11. The Books - "IDKT"
(40:20 - 42:01)
de The Way Out (Temporary Residence Ltd.; 2010)
myspace.com/thebooksmusicpage

12. Sean Nicholas Savage – "Crazy People"
(42:02 - 44:40)
de Movin' Up in Society (Arbutus; 2010)
myspace.com/seannicholassavage

13. Wild Nothing – "Summer Holiday"
(44:41 - 48:40)
de Gemini (Captured Tracks; 2010)
myspace.com/wildnothing

14. Grimes - "Rosa"
(48:41 - 51:54)
de Geidi Primes (Arbutus; 2010)
myspace.com/boucherville

15. The Books – "The Story of Hip Hop"
(51:55 - 56:26)
de The Way Out (Temporary Residence Ltd.; 2010)
myspace.com/thebooksmusicpage

Gigview: Las Robertas, Set Acústico

2010-06-05T22:50:00.000-07:00

Kill Lo-fi Stars

Si algo dejaron claro la infinidad de artículos que le han sido dedicados a Las Robertas desde el lanzamiento de “Cry Out Loud”, es que todo mundo parece estar de acuerdo con respecto a la ubicación del grupo en un contexto musical global. Lo-fi, all-girl band, vivian, dum dum, best coast, ya saben... Es algo normal, todo grupo siempre se auto-define y/o se le encuentra una “propuesta musical”, unas influencias, bandas relacionadas, para que así la gente pueda decidir de manera más simple si la propuesta vale la pena o no, basándose en éstas ideas preconcebidas.
Para un grupo hoy en día, la etiqueta lo-fi es a la vez sentenciadora y salvadora. Lo primero porque de entrada condena a la banda al hecho de que tienen un sonido de baja calidad, sucio, ruidoso, como si no tuvieran recursos para hacer una grabación decente. Pero al mismo tiempo habrá quien ve un sonido cool, underground, retro. En fin no-mainstream, por ahora. Y es una idea que puede ser llevada al extremo, a una especie de ruido y distorsión máxima detrás de los cuales se pueden esconder melodías pop, como hacen Wavves o Times New Viking.
Por supuesto que tanto el disco debut como las presentaciones en vivo de Las Robertas están totalmente cargadas de fuzz. Pero detrás de eso siempre está presente una excelente canción pop, brillante y elegantemente construida, sin nunca dejar de lado la simplicidad de los 3 o 4 acordes necesarios para lograr ese objetivo. Es una banda sin intención de esconder esa cualidad detrás de capas y capas de cuanto sonido disonante se pueda encontrar. Que es justamente lo que hacen Wavves y Times New Viking, valorando un sonido abrasivo por encima de buenas canciones pop.
Pues bueno, el set acústico de Las Robertas en el Bar La Mochila el jueves en la noche, fue simplemente la confirmación de cómo una buena canción pop funciona en cualquier presentación o formato, ya sea en un formato ruidoso, sucio y potente en el Steinvorth, o en la intimidad de un show acústico, acompañado de la cariñosidad de un violín y una mandolina. O ya sea en una grabación en estudio con mezcla y masterización, o en una grabación amateur de algún ensayo. Y es que cualquiera que haya escuchado “Bee Thousand” sabe que una pieza de calidad lo es aunque se grabe con equipo casero primitivo.
Y también a veces me parece que el concierto del jueves fue algo más que una colección de buenas canciones presentadas en un sonido diferente. Fue una declaración que tiene que ver con algo que dijo la bajista a La Nación: “Lo-fi es hasta ahora el sonido que hemos agarrado, pero no es siempre lo que vamos a tocar. No sabemos qué vamos a tocar más adelante”. El concierto da una credibilidad a tal afirmación, y confirma de que Las Robertas tienen toda la capacidad para ser un grupo versátil, y llegar a sonidos diferentes. Es cierto que fue solo una noche, pero igual hubiera sido genial que estuviesen todos los bloggers del mundo y vieran como Las Robertas, aunque sea por media hora, pueden llegar a estar cerca de otro tipo de bandas. Como las mencionadas aquí , las cuales irónicamente surgen en parte como una respuesta antagónica a la música lo-fi de los 90’s.
Y siempre voy a recordar esa versión acústica de “Street Feelings”, de cómo estaba a kilómetros de un concierto de un grupo lo-fi, y de como la calidad de la melodía se revela tanto con todos éstos instrumentos “baroquepopescos” como con todo el fuzz que se quiera darle. Es una excelente canción.
Eso es lo que hacen Las Robertas, buenas canciones. Olvidémonos del lo-fi, aunque sea por un rato. Ya tengo que encontrarme otro grupo que hypear.

- Pierre Lestruhaut

The New Pornographers - Together

2010-05-31T18:09:00.000-07:00

En donde Pierre se pregunta por qué Dan Bejar todavía hace parte de este grupo...

Si hay un grupo en la historia reciente del indie rock/pop al cual se le puede aplicar la palabra consistencia sin que muchas personas estén en desacuerdo, es The New Pornographers. Aún más si se le añade el trabajo como solistas de varios de sus miembros, que si bien en cada disco parece haber una infinidad de personas involucradas siempre llaman la atención tres nombres que nunca faltan: A.C. Newman, Dan Bejar y Neko Case. Hace unos 10 años el proyecto era visto como un “super group” compuesto por varios miembros prominentes de la escena underground de Vancouver, mientras que hoy, es un “super grupo” compuesto por varios miembros prominentes de la escena indie rock mundial, como lo son los tres citados anteriormente, de los cuales probablemente solo Bejar no le debe mucho del éxito de sus proyectos paralelos al éxito The New Pornographers.
Y no es para menos. Los tres primeros discos de ésta banda eran meritorios de toda la atención que se generó alrededor de ellos, en particular por los queridos webzines influyentes. El debut Mass Romantic estableció totalmente el sonido de The New Pornographers, Electric Version fue una continuación de ello y Twin Cinema trató de llevarlo a una especie de excentricidad máxima, sin por lo tanto dejar de lado el sonido inicial, el cual es difícil de caracterizar. El grupo es cierto que está totalmente cubierto por el paraguas del indie rock/pop, pero ahondando un poco más en él se siente que la música de estos canadienses está totalmente basada en la utilización de pequeños hooks que hacen que a uno le quede grabada en la cabeza la melodía. Apenas en la primera canción del disco debut, aparece el mejor hook del grupo en la línea repetitiva del “This boy’s life among the electrical lights”. Y su tercer disco Twin Cinema parece ser la colección más increíble y al mismo tiempo ridícula de hooks que se pudo haber imaginado en la historia de la música pop. Por supuesto que los grandes discos pop de los 60’s (si… Pet Sounds) suenan en Twin Cinema y en los demás lanzamientos, pero el sonido en general de The New Pornographers es mucho más cercano al power pop de Built to Spill o The Wrens, pero sin que los estén hooks guiados por riffs de guitarra y que las vocales no sean tan melancólicas. Y por supuesto siempre aprovechan para desviarse hacia un sonido más folk con la presencia de guitarras acústicas, chelos e instrumentos de viento, entre otros, lo cual los acerca más a un sonido de “pop barroco”, pero sin la majestuosidad de Arcade Fire o Sufjan Stevens, ni tampoco la excesiva pasividad y la incitación al bostezo de The National. Al fin y al cabo Dan Bejar y Neko Case han tenido éxito en sus demás proyectos con una propuesta mucho más acústica.
En fin, llega en este 2010 el quinto álbum titulado “Together”, precedido por “Challengers” en el 2007 (parece que dejaron de hacer esfuerzos por pensar en nombres para los lanzamientos). Y la verdad es que “Challengers” en sí no era un mal disco, pero parecía que por un momento se había perdido la magia de The New Pornographers. ¿Donde estaba aquel coro de “Fake Headlines”, la línea de sintetizador de “Execution Day”, el riff introductorio de “The Jessica Numbers” o hasta los hooks más sutiles del primer disco solista de A.C. Newman? Es cierto que el cuarto disco tenia buenas canciones, pero nada cerca de los anteriores, y entonces parecía que por fin había llegado el lanzamiento que iba a marcar la decadencia de The New Pornographers, si es que se animaban a volver a sacar algo juntos. Pero con “Together”, la banda liderada por A.C. Newman ha vuelto a su mejor forma, con un disco que vale la pena poner en un lugar muy alto, ahí a la par de “Mass Romantic” y “Twin Cinema”
Primero porque es un disco 100% The New Pornographers, y como los demás, en una gran proporción parece haber sido escrito por A.C. Newman. Esto último puede parecer no muy relevante, pero al comparar tanto las canciones de ésta banda escritas por Newman así como su trabajo como solista, con los lanzamientos de Dan Bejar como Destroyer y el trabajo en solo de Neko Case, siempre se siente una superioridad del lado de A.C. Newman. Ciertamente discos como “City of Daughters” o “Fox Confessor Brings the Flood” tienen varias canciones excelentes, pero en conjunto no parecen tener la heterogeneidad de The New Pornographers o simplemente la calidad de Newman para sacar los mejores hooks de los últimos años. Y también porque “Together” aporta algo más que un regreso a los lanzamientos previos. “Mass Romantic” se basaba enormemente en hooks vocales, como ya se citó anteriormente (pero insisto también con “Letter from an Occupant” y “The Slow Descent into Alcoholism”) mientras que “Twin Cinema” se concentraba mucho en los riffs de guitarra (vean también “Jackie, Dressed in Cobras” y “Three or Four”).
Pues bueno Together también es un disco de hooks, absolutamente. Pero con solo empezar a escuchar llama fuertemente la atención el nuevo papel central que ocupa el instrumento no tradicional en el mundo indie que es el chelo. Las dos primeras canciones “Moves” y “Crash Years”, tienen una melodía totalmente liderada por un riff de chelo, en donde las guitarras, las vocales, la percusión solamente lo siguen, juegan alrededor de él, hasta que en la segunda pieza entra otra curiosidad: el coro es una melodia silbada. Es como si en una sola canción éstos canadienses fueran capaces de hacer chocar la elegancia multi-instrumentalista de Andrew Bird con la excentricidad del indie pop de Peter Bjorn and John. Y conforme el disco avanza, uno no deja de sorprenderse, no porque The New Pornographers ofrezca sónicamente las canciones más originales del año, pero por como A.C. Newman sabe construir sus canciones de una forma asombrosa. En particular “Sweet Talk, Sweet Talk”, que empieza como una simple baladita de piano y chelo, pero de un momento a otro con la entrada de la guitarra eléctrica se convierte en uno de los más admirables himnos power pop que ha sacado la banda en éstos 10 años. Y para los últimos 30 segundos aparece la melodía de cuerda frotada que envuelve a todos los demás elementos presentes, de una manera excesivamente “Perfect From Now On”.
Una de mis favoritas personales de “Together” es “My Shepherd”, cantada por Kathryn Calder, y con un final sorpendente. Cuando parecía haberse agotado el coro de la canción aparece una melodía repetitiva y pulsatoria, acompañada de instrumentos de viento que parecen despertarlo a uno como una serie de olas que lo toman de espaldas cuando el mar parecía tranquilo. Algo muy similar a lo que hizo Arcade Fire en “Crown of Love”. E incluso más adelante en el disco, uno se topa con “A Bite Out of My Bed” que de la nada aparece el ritmo más bailable que jamás haya salido de The New Pornographers, para demostrar como A.C. Newman no solo tiene un enorme talento para crear melodías y hooks, pero también sabe como presentarlos para que no solo sean disfrutables mientras duren pero para que puedan contrastar con el resto de las melodías que le siguen y preceden. Y por instantes el disco simplemente ofrece una buena canción, sin más pretenciones que ello, como “Your Hands (Together)” que recuerda mucho a las canciones con un riff potente en “Twin Cinema”, o como “Valkyrie in the Roller Disco” que simplemente deja la melodía crecer tranquilamente para construir una de las canciones más lindas que hayan salido de éste grupo.
Pero probablemente la más memorable de éste quinto álbum es la última “We End Up Together”, porque es la que reúne todos esos elementos que hacen a The New Pornographers la excelente banda que sigue siendo: la introducción simple de guitarra y vocales, el riff eléctrico power pop, el riff repetitivo y envolvente de chelo, el bridge melódico con los instrumentos de cuerda frotada, y por supuesto el final donde parecen confrontarse aquel riff de chelo con el coro que dice “Ma ma ma ma” y con el “We End Up Together” de Newman. Pocas veces un disco termina de manera tan memorable.
Sin embargo, el disco si tiene su lado decepcionante y son las canciones escritas por Dan Bejar, las cuales me parece son claramente inferiores a las de A.C. Newman. Es como si Bejar no tuviera mas ambición que escribir melodías infantiles, cantadas con su tono de voz particular, y como si los demás del grupo nada más aceptaran sus canciones para no perder a la base de fans de Destroyer.
A pesar de ello, definitivamente estamos frente a uno de los más fuertes lanzamientos en los últimos meses por parte de una banda indie de buena reputación. Hay que agradecer la existencia de un grupo como The New Pornographers, sobre todo por su consistencia y por no haber decepcionado como lo hicieron varios grandes grupos de indie rock al incio de año (sí, es con ustedes Spoon).

- Pierre Lestruhaut

Sleigh Bells - Treats

2010-05-14T23:22:00.000-07:00

Jingle Bells

Sleigh Bells, también conocido como Jingle Bells, es un instrumento de percusión aparentemente conocido en español como cascabeles y que produce un pequeño sonido agudo por el choque de una esfera interior con una exterior, el cual supongo nos recuerda a muchos aquella época del año conocida como la Navidad.
Sleigh Bells también es un proyecto musical basado en Brooklyn que consiste en Derek E. Miller y Alexis Krauss, el cual hace varios meses nos había regalado varias canciones en myspace, y que sinceramente podría mejorar mucho la Navidad si cada año nos pusiéramos a escucharlos a ellos en lugar de los tradicionales villancicos. La gran pregunta era obviamente sí este dúo era capaz de afrontar los embates de la hype machine y los infinitos blog posts que lo definían como el grupo que nos iba a regalar el gran álbum debut del 2010, y demás predicciones arriesgadas. Pues ésta vez me parece que la máquina no se equivocó.
Treats, es la confirmación de lo que venía haciendo Sleigh Bells éstos meses, lo cual era algo verdaderamente difícil de definir. Si uno se da el paseo por la web va a encontrarse que a muchos les gusta definirlo como noise pop, la cual es una etiqueta bastante acertada. La música de Sleigh Bells en realidad está siempre compuesta por tres capas: vocales, guitarra, percusión. Las vocales de Alexis Krauss son por lo general suaves, melodiosas, como entre infantiles y adolescentes, (muy a menudo simplemente tarareando la melodía a lo “Aah aah ahh” o “ooh ooh”) y representan todo el lado pop que tiene el dúo. A veces también toman un tinte un poco más agresivo, como de rutina de cheerleader, que nos recuerda un poco aquel choque extraño de dance, pop, noise y hip-hop con la voz de Ninja en The Go! Team.
La guitarra de Miller es como el opuesto de las vocales: aguda, disonante, chillona, excesivamente ruidosa a veces, pero siempre muy simple. Miller está lejos de interesado en ofrecer solos o demostraciones de técnica, así que simplemente se concentra en una melodía de 2, 3 o 4 acordes que pueda acompañar muy bien a la voz de su cantante. A veces incluso se limita a simplemente repetir un acorde ocasionalmente, o aportar un riff simple que sirva de puente entre dos versos, o repetir algún chirrido durante toda la canción. La guitarra es la que aporta gran parte del noise en el dúo.
El útlimo componente es entonces la percusión, en éste caso digital, y justo como las vocales y la guitarra consiste, en casi todas las canciones, en un patrón muy simple y repetitivo. Miller es aparentemente también el encargado de los “beats” que en realidad se inspiran mucho de la música electrónica y hip-hop reciente. En muchos de los casos se trata de un golpeo excesivo como para tratar de liberar toda la energía posible con la guitarra, y otras veces es simplemente un simple acompañamiento de hi-hats.
Y de verdad me parece que éste es un elemento vital en la música de Sleigh Bells, porque es el que completa ésta especie de combinación de tres componentes, que por sí solos no parecen tener nada de novedoso. Pero en conjunto forman algo totalemnte nuevo y único, un sonido con el que realmente nunca me había topado antes, como un choque ideal de pop, noise y electrónica pero con cada elemento reducido a su forma más básica, simple y primitiva. Y es un noise que no consiste en drones, pero más bien en cualquier combinación de acordes pegajoso tocado con una distorsión enorme, de la forma más aguda posible, un noise como más a lo Deerhoof o Ponytail, pero sin una cantante energética pero relajada, melodiosa, y sin un baterista talentoso que aprovecha para aportar fills geniales pero más bien con “beats” digitales, básicos, sin pretenciones. Más que noise pop, sería bueno verlo como electro-noise-pop (ya sé, un blogger que aprovecha para inventarse un nuevo género) porque me parece que pone en conjunto ésos tres elementos que es Sleigh Bells.
Es curioso también señalar que Treats está estructurado como en tres partes. Primero cuatro canciones con la clásica combinación ya mencionada, pero con “Infinity Guitars” como pieza central en donde todos los elementos se presentan en su forma más agresiva: Krauss se presenta se muestra lo más rebelde posible, la percusión es increíblemente golpeante y ocasionalmente aparece la guitarra con unos riffs simples pero increíbles. Después se viene una especie de transición extraña con las tres piezas “Run the Heart”, “Rachel” y “Rill Rill” que demuestran las influencias más electrónicas del dúo. Pasan por el glitch en “Run the Heart”, el sythpop en “Rachel” (primera canción en que se abandona la guitarra) y ambas con una especie de firma baleárica por el tratamiento de la voz de Alexis Krauss en donde se repiten sus suspiros y gemidos.
Y por supuesto la canción central de todo el álbum, “Rill Rill” previamente conocida como “Ring Ring”, es la pieza más sorprendente que pudo haber venido del dúo, que si bien ya era conocida para quienes rondaban el myspace, es imposible evitar seguir admirando la combinación de la progresión de acordes sampleada de “Can You Get to That” del clásico “Maggot Brain” de Funkadelic con la voz de Krauss y sus gemidos. Y me parece que Miller entiende perfectamente que a veces hay que ceder el rol central, por lo menos en apariencia, de ser el guitarrista ruidoso y simplemente dejar que algo tan brillante simplemente se dé por sí solo.
Las últimas cuatro canciones son el regreso a la estructura típica de Sleigh Bells, pero talvez con un lado más agresivo, como si Miller quisiera soltar sus influencias más hardcore que tenía en su banda anterior. Sin embargo, con “Crown on the Ground” siendo muy resaltable por ser probablemente la canción más pop de todo Treats, con su hook pegajoso y la voz en su forma más infantil.
En fin, Sleigh Bells es un dúo que hay que escuchar absolutamente, porque como leía en un algún webzine influyente, mucha de la música (vamos a decir pop/rock) de hoy se basa mucho en revivir lo bueno del pasado y darle un nuevo enfoque. Sleigh Bells están haciendo algo excesivamente difícil de ligar con música del pasado, están tomando esos tres elementos, presentándonoslos en su forma más simple para hacer esto tan nuevo y tan fresco. Tan único. Tan Sleigh Bells.

- Pierre Lestruhaut

Las Robertas

2010-05-08T19:30:00.001-07:00

And the award for Indiest Band Ever goes to...

El Siglo XXI parece ser por ahora el mejor momento para ser un amante de la música, y eso va dedicado a todos los que dicen que ya no hay nada bueno en la música, que nadie la valora, que todos simplemente bajamos mp3s en serie y que básicamente ya no hay creatividad en el mundo. Las descargas de música por internet (legales o ilegales) nos han dado la mejor revolución que hubieramos podido esperar, simplemente por dos razones más que obvias: tenemos el más fácil acceso a una gran parte de toda la música grabada en la historia, y el más fácil acceso a toda la música que se está grabando ahora. Podemos con solo unos cuantos clicks descubrir aquel grupo que nunca dio muchos pasos afuera de la escena de Boston hace 20 años, así como escuchar las grabaciones de algún grupo enterrado hoy en San José, Costa Rica.
Esto sin embargo también hace que el asunto de descubrir música sea un poco más complicado que lo era antes. Según mi contacto con la música en el Siglo XX y sobre todo los testimonios de personas mayores, antes había pocos medios de difusión para la música de manera que uno no estaba expuesto a la increíble variedad de géneros y propuestas y lugares a los que sí está expuesto hoy. Uno podía decirse amante y conocedor del jazz y al día siguiente no se iba a encontrar con una página en internet dedicada al jazz avant-garde de Noruega que básicamente le dice a uno que no sabe mucho de jazz. Ahora todo parece estar tan increíblemente saturado de información, tan invadido de bandas que parecen salir de la nada, de géneros inventados por cuanto blogger exista, que es casi imposible sentir que uno sabe algo o por lo menos conoce algo de música. Y por supuesto que es excelente descubrir que en Noruega o en cualquier otro país se puede estar haciendo música muy innovadora, pero para llegar a ello también hay que pasar por cuanto grupo haya sido etiquetado como “chillwave”. Incluso ya hay quien ha tildado a Las Robertas de chillwavers, pero me parece que el grupo es mucho mucho más interesante que eso.
Las Robertas son tres chicas y un travesti de San José, que he venido siguiendo muy de cerca en éstos meses y hacía tiempo quería escribir sobre ellas, pero estaba justamente esperando el lanzamiento de su disco Cry Out Loud, para confirmar que son prácticamente todo lo que un grupo indie puede ser en el Siglo XXI, excepto por el lugar de proveniencia. Primero su sonido se inspira en éstos grupos oscuros catalogados indie, lo-fi, underground, como The Velvet Underground por decir el más viejo que se me ocurre, y Vivian Girls el más reciente. Su imagen va más en la dirección de ser una mezcla entre una película de Godard y todos los clichés indie de los últimos años como los vestiditos de puntos, las camisas de rayas y el peinado a la Zooey Deschanel o Alexa Chung.
Y también tengo la impresión que se han dado a conocer de una manera bastante interesante. Ha sido como una especie de combinación entre una inserción en la escena underground (si se le puede llamar así) con capacidad para atraer gente de boca a oreja y la utilización de internet para subir grabaciones preliminares en el myspace, pequeños videos de conciertos a youtube, crear un blog y finalmente regalar el disco gratis. Es la forma más DIY en la cual una banda se puede dar a conocer, y la verdad es que la cantidad de blogs y foros en los cuales se está hablando de ellas (ya sé que este no es la excepción) simplemente lo confirma. Es como si Las Robertas estuvieran en camino a ser la nueva banda lista para disfrutar de sus cinco segundos de fama en la blogosfera, más aún con su origen exótico y misterioso, listas para liderar el movimiento de las indie girl bands de San José.
Sin embargo no puedo simplemente llegar y hablar mal de Las Robertas, por más frustrante que pueda ser la atención que se le da en los blogs con esos posts que dicen todos lo mismo o por como atraen a cualquier persona que escucha “indie rock” en Costa Rica. Porque Las Robertas es un grupo que ha inyectado demasiada frescura en esta escena de San José, porque nos han recordado como se pueden hacer las cosas de manera tan simple y tan brillante. Cry Out Loud dura 30 minutos y es una colección de diez canciones de estructura verso-coro, con tres-cuatro acordes de guitarra y una base rítmica de batería simple y repetitiva, con un sonido general bastante sucio de manera que no se entiende gran cosa de lo que cantan.
También, cada canción parece ser como una síntesis misteriosa e ideal de pequeños elementos tan básicos y simples, regados todos en la historia del indie rock. Aparece una línea de bajo que parece salida de Kim Deal o Kim Gordon, una guitarra con un sonido a lo Psychocandy, melodías que recuerdan a Black Tambourine, voces misteriosas y múltiples como Vivian Girls y hasta retoman la percusión de “Be My Baby”. Todo parece ser un choque de sonidos familiares que en conjunto forman algo nuevo y excitante, algo que suena tan viejo pero tan Siglo XXI. Las tres canciones finales del disco son particularmente memorables. “Damn 92” con su estilo “surf rock” combinado con una voz de adolescente problemática, “V for You” que juega el papel de la balada con la guitarra distorsionada como “Sometimes” en “Loveless” y “Back to the End” mi favorita personal, que a veces siento es la que define todo lo que es Las Robertas: despreocupación y una melodía gloriosa.
También hay que decir que la mayoría de las canciones eran conocidas para alguien que visitaba el myspace de la banda, veía los videos en youtube e iba a los conciertos y ese es talvez un aspecto un poco decepcionante de la música en el 2010 (sin mencionar los leaks) si uno lo ve desde esta perspectiva. Los álbumes ya no son esa gran revelación de lo que se fue hacer el artista en el estudio, sino es más como una grabación formal del material ya conocido. Ciertamente la producción de Autómata en “Cry Out Loud” captura muy bien la energía de la banda en sus presentaciones en vivo y seguramente da un sonido más acorde a lo que buscaban ellas, pero eso es básicamente todo lo que revela el disco. Es lo que todos esperábamos sin grandes sorpresas y a veces pienso que me hubiera gustado guardar la versión de “Back to the End” que tenían en el myspace. Se concentraba más en la melodía.
En fin, también quiero resaltar la importancia de Las Robertas en la escena local de San José. En un contexto global, una visión simplista de la banda ha llevado a categorizarlas junto con otras bandas que caen en la etiqueta lo-fi como Dum Dum Girls, Best Coast, las ya mencionadas Vivian Girls, pero me gusta mucho más verlas en un contexto local, y ahí es donde están verdaderamente solas. Ciertamente sí están en una especie de escena underground en donde comparten escenarios con bandas que bien se pueden catalogar como indie, pero ninguna otra parece estar haciendo algo tan poco pretencioso que resulte en algo tan simple y diferente, como lo que hacen éstas chicas. Las Robertas es un grupo que hay que aprovechar mientras sigan dando conciertos gratis en San José porque de verdad escogieron un lugar para nada adecuado para formar un grupo de solo chicas con un sonido indie y lo-fi. Habrá que ver adonde terminan en este extraño Siglo XXI, en el cual el más impensable proyecto musical puede llegar a lugares lejanos a través de la enorme cantidad de personas capaces de promover música digitalmente.
No hay momento más confuso para ser amante de la música que el año 2010. Pero a pesar de que todo se sienta tan confuso y extraño, llegaron Las Robertas y es tan simple y tan básico que es genial.

- Pierre Lestruhaut

Detectives Salvajes

2010-04-24T15:24:00.000-07:00

Música para toda la familia

Hace unos meses me encontré, rondando por el myspace, con la banda de San José de nuestra querida Costa Rica llamada Detectives Salvajes. La información es básica: miembros del grupo, discográfica, género y por supuesto las canciones, en éste caso cinco canciones que hacen parte de un EP gratis que se puede descargar en esta dirección Luego, hace unas semanas vi que iban a tocar en San José en el Bar La Mochila, junto con Spaceship (lanave) y decidí asistir.
Y en realidad tanto con el EP gratis como con el concierto gratis, lo que me llevé fue una excelente sorpresa porque Detectives Salvajes están haciendo algo realmente bueno por sí solo y además muy superior a lo que venía haciendo Continental, banda de dos de los miembros de Detectives. Es un grupo excesivamente difícil de clasificar en un género específico, de manera que simplemente se puede meter en el paraguas del “indie”, y es que no solo se trata de algo que en apariencia es distinto a la propuesta del “rock alternatico”, es algo que también es realmente único y novedoso en un contexto podríamos decir hasta global. La razón principal para ver esto, es que cuando uno trata de viajar por la escena “underground-indie” de San José en el 2010 choca como con unos tres movimientos visibles. Está NoisNois y compañía con su propuesta electrónica/experimental; luego una serie de grupos con influencias entre indie y punk como Las Robertas, The Great Wilderness; y también otros grupos con la vista más en música del tipo post-rock o progresiva como Poper, Zòpilot, Niño Koi.
Pues bueno, Detectives Salvajes básicamente junta esos tres movimientos en un solo proyecto. Por supuesto que el elemento más evidente en la música del grupo es el punk que viene de la combinación de la guitarra y la batería, y los riffs principales que lo pueden hacer entrar en esa categoría fácilmente. Pero tampoco es así como simplemente “punk” a secas. Por ejemplo, en “Los Suicidas” y “Pipistrello” hay una especie de combinación entre los riffs de guitarra y la calidad de Louie para tocar batería que hacen que éstas canciones sean sencillamente Detectives Salvajes. Como si la guitarra y la batería estuvieran compitiendo para ver quien saca los mejores sonidos, pero al mismo tiempo ninguna quiere ganar porque se dan cuenta de la importancia del otro. Los dos instrumentos compiten pero van de la mano, y al mismo tiempo “Los Suicidas”, definitivamente la mejor de éste grupo, encuentra su base en un loop electrónico que suena durante toda la canción que no podía ser mejor introducción y despedida para los instumentos y las voces potentes que explotan durante poco más de 4 minutos. El EP es casi una lección de utilización de la electrónica para los miembros del NoisNois (a parte talvez VAC y Spaceship) que en su gran mayoría se contentan de hacer glitch o IDM básico y aleatorio por que presenta un sonido oscuro y no-mainstream.
Por otra parte, la cuarta pieza “Poraiandan” es como el opuesto de “Los Suicidas”. Aquí los sonidos repetitivos provienen curiosamente de la guitarra y la batería, y queda el campo para que el “sampleador” pueda acompañar con sonidos más variados ocasionalmente. Es en realidad la única pieza con rasgos de música “ambient” en el EP, pero también yendo como más en direcciones del post-rock y el post-punk y manteniendo la fuerza en los instrumentos principales (se le podría llamar talvez simplemente post-detectives). Y en vivo el grupo no es para menos, si bien a veces se dificultaba distinguir los riffs de la guitarra y aún más las voces, la energía de los miembros del grupo es totalmente única. El ya mencionado choque guitarra-batería se siente aún más que en la grabación y la disonancia en momentos se muestra como nuevo elemento del grupo con la utilización de samples mucho más sucios y ruidosos.
Sin embargo hay ciertas características, no del grupo pero de la escena “indie-underground” del país, muy notables en este concierto, que son un poco frustrantes. En primer lugar, el concierto no era realmente un concierto era una fiesta, como una especie de reunión para los artistas underground nacionales y sus amigos y familiares en la cual a muy pocas personas les importaba los sonidos que provenían de Spaceship (lanave) y Detectives Salvajes. Porque es más que evidente que la mayoría de los grupos y artistas citados en éste artículo prácticamente no tienen fans, lo que tienen son compas.
Es cierto que talvez es excesivamente ambicioso querer en un país con tan pocos medios de difusión para el arte, que artistas con propuestas novedosas y que veneran el DIY puedan atraer a personas más allá de su propio medio, pero todo tiene que comenzar en algún lugar. El desarrollo de internet y su forma de promover música es probablemente la mejor forma que éstos grupos puedan llegarle a una mayor cantidad de gente, y esto justamente es lo que ha permitido una enorme exposición para muchos grupos en los países del norte. Talvez hemos llegado a una época en la que es más importante un buen myspace o un buen EP en línea que un buen concierto. Con una mayor concientización sobre la calidad que uno se puede encontrar navegando en internet, Detectives Salvajes pueda algún día ser más que un grupo para la familia.

- Pierre Lestruhaut

Erykah Badu - New Amerykah Part One/Part Two

2010-04-16T18:53:00.001-07:00

We don't want no window seat. Do we?

Erykah Badu regresa dos años después del lanzamiento de su LP New Amerykah Part One (4th World War), que tuvo a muchos de cabeza por un buen tiempo incluido quien escribe, con la segunda parte titulada New Amerykah Part Two (Return of the Ankh). Ahora, la primera cosa que es absoultamente evidente al comparar estos dos discos, es que no se siente que estemos frente a una secuela o segunda parte (por más absurdo que suene el concepto aplicado a la música porque de todas formas todo disco de un artista que viene detrás de otro es visto como una secuela), se siente como si estuvieramos más bien frente al opuesto de Part One. Como si en realidad no fueran Part One y Part Two pero Part One y Part Minus One. En realidad se pueden encontrar bastantes detalles para oponer a éstos dos discos sin siquiera haberlos escuchado: el subtítulo 4th World War deja a entender que estamos frente a un disco más futurista, violento, pesimista; mientras que Return of the Ankh (Ankh es el jeroglífico egipcio que significa vida) parece observar más al pasado, a la vida, el amor, algo un poco más optimista. Sólo comparen las dos portadas.

Una parece la portada de un disco hip-hop contemporáneo mezclada con la de algún disco funk de los 70’s, cuando la otra parece la de un disco de rock psicodélico de los 60’s. Me hubiera gustado haber escrito sobre este lanzamiento sin tener que entrar en muchos detalles del Part One, pero la complementariedad de ambos es excesiva. Nada más vean lo que dice nuestra querida Badu: “I called it 'Part II: The Return of the Ankh' because this album is the sister of the left side of my brain – it is the right side.'Part I was the left side of my thoughts”.

Ahora entrando con mayor detalle, Part One era efectivamente un LP futurista, violento y pesimista, pero sobre todo sorprendente. Era la unión de esta talentosa cantante catalogada como R&B o neo-soul, con una serie de productores de hip-hop como Madlib, 9th Wonder, Sa-Ra para dar a luz a uno de los choques creativos más fuertes de los últimos años. Quien hubiera esperado ver a una artista que muchos llaman la reina del neo-soul enfrentarse a una producción con beats tan minimalistas, tan digitales, tan innovadores, tan (de nuevo) futuristas, y sin necesariamente cansarlos durante todo el disco. Por más que The Neptunes hayan concebido beats digitales de buena calidad en el Hell Hath No Fury de Clipse, siempre dan la impresión de querer llamar demasiado la atención, de quere incorporar los sonidos más variados que hubieran podido encontrar, de la forma más minimalista resultando en una serie de beats que han dado raíz al rap más electrónico de los últimos años. Ese rap que usa el autotune por todas partes.
Pero Badu está aparte. New Amerykah Part One está aparte. Nos dió canciones tan llenas de furia, cantadas de manera tan melodiosa, tan suave, como “The Healer”, “My People” que repite una línea durante más de dos minutos en donde la voz de Badu choca con ella misma y ambas brillantemente producidas por Madlib, como “Soldier” mi favorita personal con una base de percusión tan simple como excelente y una melodía de flauta sorprendente, y por supuesto “Twinkle” en la cual Sa-Ra ofrecen su mejor beat del disco al cual se une al final un discurso de la película Network que da escalofríos. Pero tampoco todo era hip-hop y minimalismo y suciedad en Part One, también había campo para las piezas más funky y soul, más tranquilas, sobre todo al final del disco con “Master Teacher”, “That Hump”, “Telephone”. Es como si el discurso de “Twinkle” hubiese liberado toda la ira necesaria y después de ello solo queda una especie de ira pasiva, de desencanto, ese desencanto que se siente tan fuerte en There’s a Riot Goin’ On de Sly Stone. Como si se tuviera toda la intención de liberar la energía y la furia almacenada pero solo hay lugar para la desilusión, la desesperanza. Eso es “Telephone”: no queda nada en la Tierra o en casa, solo nos queda volar al Cielo, “Just fly away to heaven brother/ make a place for me brother”.

Ahora, New Amerykah Part One por su título dejaba a entender que un Part Two se asomaría y lo hizo, con el subtítulo de Return of the Ankh. Después de la 4th World War y su furia, su desesperación pero también desilusión, el Part Two es el regreso a la vida, al amor, a la Erykah Badu que conocíamos antes. El regreso a los samples tomados del funk y el jazz, a pesar de contar con la misma serie de productores citados para el Part One con la adición del fallecido J Dilla que nunca deja de estar presente en el mundo de la música. El abandono de los beats digitales y del futurismo, para volver a los beats analógicos con mira al pasado.
Muchos esperábamos que la parte izquierda del cerebro de Badu fuera la fuerza creativa detrás de este Part Two, pero trabajos de la magnitud del Part One vienen muy pocas veces en la carrera de un gran artista y no es coincidencia la distancia de 5 años entre Part One y el anterior LP de Badu titulado Worldwide Underground. Sin embargo Erykah Badu está aparte. Erykah Badu logra hacer de un álbum que en apariencia es un vago regreso a sus primeros LPs, una colección de canciones de excelente calidad. Los beats son aquí también enormes, los productores aprovechan para sacar a luz canciones de funk enterradas para ofrecer beats que no tienen la ira de los de Part One, pero que se complemetan con la voz de Badu de manera exquisita. “Window Seat” es LA PIEZA del disco, sin necesariamente tener mucha originalidad, es simplemente una clásica base de batería con dos notas de piano y una estructura verso-coro producida por James Poyser (trabajo previo incluye Common y Mariah Carey, hasta Norah Jones y Eric Clapton, pero que canción que soltó aquí con Erykah Badu). También otras como “Turn Me Away (Get MuNNY)” o “Umm Hmm” jamás se imaginaria uno que son producidas por Kariem Riggs y Madlib porque son piezas que entran fácilmente en la categoría neo-soul. Es como si Erykah Badu se hubiese conseguido a algunos de los mejores productores de hip-hop para que le soltaran canciones de neo-soul, y que de verdad tienen con que rivalizar con las mejores piezas de D’Angelo.
Pero hay dos canciones que llaman particularmente la atención. La primera es “Gone Baby, Don’t Be Long” producida por Ta’Raach (ni siquiera tiene página en Wikipedia, ni Pitchfork, apenas tiene en allmusic que nos dice que se trata de un MC y beatsmith de la escena underground de Detroit), y la segunda es “Love” producida por J Dilla (sin palabras). Una es un sample de una canción escrita por Paul McCartney con Wings cuando la otra desentierra a un grupo de funk del cual Stones Throw relanzó cierto material. Son dos orígenes totalmente opuestos pero de alguna manera ambos samples son brillantes, aún más con la voz de Badu.
New Amerykah Part Two (Return of the Ankh) es un álbum de neo-soul, con todas las connotaciones negativas que esto puede llevar si uno no se llama D’Angelo, es el regreso de Badu a sus raíces de cantante que puede tener éxito en MTV, y no es la experiencia sónica que fue New Amerykah Part One, pero si es un álbum de muy buena calidad. Es la confirmación de que Erykah Badu puede sacar un gran disco sobre el amor, la vida, con canciones estructuradas de manera clásica y dejando al Part One en su lugar. Son dos obras opuestas, pero que se complementan muy bien.

- Pierre Lestruhaut

Gonjasufi - A Sufi and a Killer

2010-04-09T15:35:00.000-07:00

George Clinton at Warp?!?!?!?!

Gonjasufi, nacido Sumah Ecks, es un rapero, cantante, DJ (aunque prefiero el término beatmaker), instructor de yoga, Dios griego del Sol y look-a-like de Bin-Laden. En el 2008 firmó un contrato con Warp Records que ha sacado material para artistas como Flying Lotus, Prefuse 73, Bibio, Boards of Canada, Battles, Aphex Twin, Autechre, Broadcast, Vincent Gallo (¿?), Grizzly Bear (¡!), Maximo Park (¿¿¿???) y otros. Su útlimo lanzamiento A Sufi and a Killer es una colección de 19 canciones que recorren el rock psicodélico de los 60’s (oigan la línea de synth en “I’ve Given”), progresiones de Blues, teclas y vientos de Jazz, un número de Doo-Wop, funky riffs, fuzzy guitars, mucho noise y distorsión (sólo chequar la introducción “(Bharatanatyam)”), elementos básicos producción de hip-hop (clap en “Ancestors”) y hasta ¿flamenco? Todo ésto acompañado por una de las voces más sucias y cansadas pero al mismo tiempo suaves y melodiosas que haya escuchado. Sólo pongan atención a la sobresaliente “Sheep”, ésta balada que empieza con la encarnación más suave de la voz de Gonjasufi, acompañada de una línea de guitarra que uno solo escucharía en el LP más viejo y sucio que podría encontrar, a la cual se unen voces femeninas salidas de la época más prematura de la televisión. Por sí sola define totalmente lo que es el disco.
Sin embargo, los artistas que contribuyeron a llevar a Gonjasufi a un lugar más visible en el mundo de la música permiten comprender mejor las raíces del cantante. En el álbum Los Angeles del productor y músico de laptop Flying Lotus tenemos derecho a poco más de 2 minutos de la voz del Sufi, con un falsetto de los más extraños que uno pudiera imaginar, rodeado de un beat trip-hopesco. Para su propio LP contribuye con él Gaslamp Killer, otro DJ de los Ángeles, con un estilo eclético (gracias allmusic) el cual se refleja a lo largo de todo el disco. Y según cuenta el propio Sufi, el disco se mezcló en la misma mesa que habría utilizado J Dilla (así es) en sus últimos días.
OK, la última conexión está un poco jalada del pelo, pero creo que junto con lo demás es prueba suficiente que estamos frente a un artista rodeado del hip-hop. Si bien es cierto que el género o etiqueta que uno quiera darle a un artista o álbum ciertamente no tiene ninguna influencia en su calidad, es interesante el tratar de situar a Gonjasufi como un artista de éste género tan peculiar. Decía MC Dalek (aquel rapero que con su dúo Dalek produjo una especie de colisón entre hip-hop y shoegaze) que su música era hip-hop puro ya que en el origen se trataba de buscar y juntar sonidos e influencias diferentes para crear algo nuevo. Lógicamente con el paso de tiempo los exponentes más populares dejaron su marca y esto llevó a una visión más estrecha del género, definida por ciertos parámetros más reconocibles. Pero retomando la definición de MC Dalek, se puede ver que Gonjasufi está totalmente enraizado en este “movimiento creativo” de cavar y juntar cual sonido o género preexistente le parezca interesante y es desde este punto de vista que lo podemos acercar más que nunca a los Dilla, Madlib o Edan del mundo. Por más variado que haya podido ser el trabajo de Madlib, más instrumental que sea el de Dilla, más old-school que sea el de Edan o más ecléctico que sea el de Gonjasufi, todos están juntos en la búsqueda de hacer algo nuevo con sonidos viejos.
Ya hay quienes han comparado a Gonjasufi con Sun Ra, aquel jazzista pionero del afrofuturismo, pero de verdad no parece que el trabajo de Gonjasufi sea en lo más mínimo futurista. Parece más bien una especie de relato sobre la música popular de los últimos 50 años, una visión nueva y fresca de los sonidos que invadieron muchos estéreos durante todo el desarrollo de la música en sus distintos formatos reproducibles. Y analizándolo por sí solo, A Sufi and a Killer es talvez un álbum un poco extenso, muchas canciones no van más allá de ser un concepto o intento de calidad variable, pero en su conjunto es un viaje psicodélico e histórico como no se había escuchado en mucho tiempo.

- Pierre Lestruhaut

Gigview: Gandhi + Fito Páez en La Sabana

2010-03-28T10:05:00.000-07:00

Más y más alabanzas para los defensores del rock nacional

Gandhi y Fito Paéz son dos nombres que cualquier "amante" del rock en Costa Rica tiene que conocer. Lo cual lógicamente atrajo a más de 20 000 personas a La Sabana el sábado 28 de marzo, según tengo entendido. Mi hora de llegada no fue particularmente temprana, ni particularmente tardía lo cual me permitió disfrutar del concierto de manera visual y auditiva de forma aceptable.

Ahora para llegar al punto, Gandhi + Fito Páez es una combinación más que interesante. Hay muchas razones para odiarlos a ambos, pero también muchas para amar a Fito Páez y pocas para amar a Gandhi. Empezando con Gandhi, el primer aspecto interesante es escuchar y ver a Luis Montalbert Smith en el escenario. Su estilo de cantar parece ser una especie de adición extraña de estilos de vocalistas mexicanos y argentinos noventeros, lo cual crea ese extraño acento que usan muchos grupos ticos a la hora de cantar. Ese acento del rock tico que uno escucha toda la semana durante los conciertos de bienvenida de la UCR o en 979 cuando pasan a grupos de Costa Rica. Por eso, Gandhi es uno de los principales culpables de la increíble uniformidad en la propuesta de rock nacional (no el único por supuesto). Esto es comprensible con solo ver el desenvolvimiento de Montalbert en el escenario: ondula la bandera tica varias veces, dedica una pequeña frase sobre la importancia del rock nacional, sobre la gente que los defendió para que tuvieran todo el escenario, y Miranda ofrece su versión del himno nacional en guitarra. Este grupo se esfuerza demasiado por ser una especie de líder del rock nacional, y bueno viendo la trayectoria es un poco comprensible, pero en fin que interés tiene ser el líder de un número de grupos que hacen una versión mala de lo que ellos ya hacen. Es cuestión de sintonizar un programa de radio sobre rock nacional, para darse cuenta de la uniformidad de la propuesta. Por supuesto las palabras de admiración les llueven al día siguiente en los diarios del país. Pero ¿simplemente porque tocaron en La Sabana frente a 20 000 personas y que había suficiente gente que conocía algunas canciones y aplaudía para hacer creer que dieron una buena presentación?
La impresión general que me dió Gandhi, fue la de asistir a otro mediocre concierto de un grupo popular. Básicamente, una infinidad de típicas canciones rock con su estructura verso, coro, solo, en el cual Miranda aprovecha para demostrar que es bueno técnicamente con la guitarra. Lo único resaltable fueron los primeros minutos en los que tocaron Un Día Triste de Marzo, única canción del repertorio con un sonido diferente e íntimo llegando casi a electrónico, y también Arigato que tiene un buen riff de guitarra que se combina bien con el coro y sus letras aceptables. Eso es lo que fue Gandhi: una hora de canciones de rock inspiradas por grupos gringos noventeros y cantadas con el acento rock tico/latino y promocionadas como la gran presencia de Costa Rica en su propio festival internacional, del cual todos supuestamente deberíamos de estar orgullosos por el hecho de que es un grupo tico.

Ahora llegando a Fito Páez, el más que conocido "cantautor" argentino, lo que vimos fue un repertorio comprendido de unas pocas canciones del nuevo disco rodeadas por todos sus clásicos. Simplemente un concierto muy parecido al de hace unos años en el Mélico Salazar y al de hace año y resto en Torre Gecko, aparte que éste último era el tipo en su piano. Pero al fin, es un poco siempre lo mismo lo que viene a ofrecer Fito, y la verdad se entiende de un artista que lleva tantos años sacando éxitos. Tiene que buscar complacer a la gran mayoría del público que viene a escuchar las canciones que conoce, y así son los espectáculos que proponen los músicos que pueden atraer a más de 20 000 personas. Y muchas son muy buenas canciones: algunas como Al Lado del Camino y Tumbas de la Gloria de verdad ocupan un lugar importante en mi, y otras como El Diablo de Tu Corazón y Ciudad de Pobres Corazones son para cantar a todo pulmón. Así que bueno, en momentos como éste hay que reconocer que Fito Páez nos ha dado muy buenas canciones en todos estos años y verlo repasar muchas de ellas fue algo bueno. Creo que era lo que absolutamente todos esperábamos, así que no puedo decir que haya salido decepcionado, pero tampoco salí eufórico.
Sin embargo también es interesante ver el estilo con el que canta Fito y comparar con los demás cantautores o trovadores del país. Es un estilo que ha sido imitado excesivamente en este país y es que es imposible ir a un concierto que se promociona como trova o cantautor, sin que haya altas posibilidades de que vayamos a escuchar a alguien que ha copiado mucho de Fito. Los dos artistas que se presentaron en La Sabana, en realidad están presentes en una cantidad increíble de conciertos en el país. Ésto demuestra ciertamente que han tenido mucha influencia en la escena tica, pero es más una crítica al rock nacional y a su falta de originalidad. Es difícil encontrar algún grupo que esté haciendo algo diferente a lo que hicieron los grupos más populares de los 80's, 90's y principios de los 00's y esto lo prueba también los "grandes" conciertos que nos están trayendo estos años: Metallica, Iron Maiden, Guns 'N Roses, Aerosmith, KoRn..... Como puede el rock popular de un país ser original y novedoso si éstos son sus artistas de referencia. Por supuesto, hay buenos grupos en Costa Rica pero no puedo decir que los que considero como tales sean precisamente populares.
En fin, este artículo espero que sea el primero de muchos que escriba en este blog. La razón por la cual empecé con este doble concierto es circunstancial y totalmente independiente de mi deseo de escribir sobre música. Pero al mismo tiempo es importante ya que me da hambre de buscar más buena música local, sé que la hay y voy a escribir sobre ella.

- Pierre Lestruhaut